La popularidad de Joana Santamans va más allá de su éxito en las redes y conecta con una forma de pintar, de encajar con el mundo o de no encajar, que llega a conmover a un público cada vez más grande. Se diría que el resultado de sus obras mezcla arte con diseño, pero enseguida te das cuenta de que la belleza es más abstracta de lo que parece: detrás de la firma hay una actitud, una mirada y un riesgo que poco tiene que ver con la pintura clásica de paisajes o naturaleza. Estamos ante una obra contemporánea, moderna, bastante transgresora, escondida tras la simplicidad. Una simplicidad que siempre puede ser estimulante e incluso peligrosa.
— ¿Quién eres y qué haces en Barcelona?
— Soy pintora, soy barcelonesa (aunque ahora vivo en el Empordà) y acabo de abrir una exposición en el Espai París, de la calle París.
— ¿Eres pintora o diseñadora?
— Soy pintora y lo he sido siempre. Lo que ocurre es que ahora ha surgido del todo, con plenitud, por la puerta grande. Y esto me gusta porque me simplifica, hago una sola cosa. Dejando a un lado que esto, teniendo una hija pequeña, ayuda. Para mí es como mi paso a la madurez: siempre he sido mucho Peter Pan, y ahora me tocaba situarme. Decidir. Apostar.
— ¿Y dónde estamos ahora?
— Estamos en el Espai París, inaugurado en 2016 por el despacho de arquitectos The Room Studio. Mi exposición son óleos de paisajes y flores sobre lienzo, de gran formato. Había expuesto ya dos veces, una vez llevando obras ya expuestas en el Espai Guinovart de Agramunt, y la otra en la inauguración del espacio. Entonces eran obras de 120×120, óleo sobre madera, sobre animales. Al no ser una galería de arte, aparte de llevarse menos comisión por venta (y que podemos compartir incluso clientes), las obras conviven en un espacio que podría parecer una casa. No está dirigido al arte, sino abierto al arte. Aparte de que hoy las galerías en Barcelona están muy muertas, y eso debe cambiar. Mientras, este espacio favorece las obras en el sentido de que quedan colgadas en la realidad, en la actividad cotidiana y profesional del Eixample, y no en un paréntesis para artistas. Creo que es mucho más amable de esa manera.
— ¿Y qué hacemos con las galerías?
— El mundo cambia, y es posible que las galerías vayan demasiado a la cola adaptándose a él. Hay quien sí, ¿eh? Algunas, pocas, mezclan el arte con objetos de diseño, o con entornos de masías, o se vuelcan en la venta online. Yo vendo mucho a través de Instagram, por ejemplo. ¡El mercado está fuera!
— ¿Ya no queda rastro de la ilustradora y diseñadora, pues?
— Llevo mucho tiempo centrada en la naturaleza como temática, y esto me ha definido bastante. Creo que lo que me define es la mancha y el color, la pincelada personal, la identidad. Pero aparte de ser conocida por mis retratos de animales también he colaborado con libros que me han dado mucha difusión y público, como por ejemplo los diccionarios de flora y fauna. He trabajado como si fuera una naturalista del siglo XIX, pero recuerdo que siempre me preocupaba algo: ¡una flor no tiene ojos! Y este aparente obstáculo lo resuelvo a través de la mancha de color, o poniendo un fondo negro, o mezclando aceite y acuarela, o apostando por el formato grande. De repente, la flor te mira. ¡Por supuesto, que una flor tiene mirada!
— Eso y los paisajes.
— Los paisajes me llegan sobre todo a través de tener mi estudio en el Empordà, una casa/estudio/atelier que son 60 metros cuadrados sólo para mí, con amplias ventanas, y cerca de grandes oportunidades para pasear. Con mi hija. Me gusta tomar la esencia del paisaje, sólo la esencia, la mancha, el color, la luz, el volumen. Desdibujar la figura, bailar con la obra. Abandonar por completo esta maldita ansia de control, ser a la vez sólida y líquida.
— ¿Por eso te encaminas a la abstracción?
—Exacto. En la mancha, perdona que me repita. Ir a la esencia, al espíritu. A veces, por ejemplo, visualizo un cuadro y lo escribo. Hago apuntes, con palabras. Para que no se me escape.
— ¿Y ahora qué estás haciendo?
— Cuando termine algunos encargos de Navidad, quiero ponerme con la idea del arte abstracto. Ya he hecho esbozos, de hecho los hago desde hace cuatro años. Y he tomado muchos de esos apuntes rápidos en el campo.
— Explícame Londres y Nueva York.
— Londres fue todo un año, como diseñadora gráfica con gente como Enric Jardí o Pilar Gorriz. Aunque aprendí mucho, me sentía a medias. Nueva York fueron dos meses, además de una pequeña exposición en San Francisco con Betty Bigas. En Nueva York experimenté con la ciudad, y allí me casé. Cuando vuelvo es cuando hago el posgrado en ilustración creativa, en la Eina.
— ¿Cuesta vivir de pintar?
— Era más difícil vivir de otras cosas, esto es lo que he aprendido finalmente. Lo que pasa es que es un proceso largo: antes tienes que hacerte un nombre, sentirte segura, creértelo, crear un estilo, hacer algo que te defina. Tiene mucha psicología o de espiritualidad: saber quién eres, aceptar cómo eres, y decirlo.
— Pues haznos un autorretrato.
— ¿Cómo? ¿Que me pinte?
— No, apuntes rápidos con palabras.
— Muy trabajadora, muy persistente. Enamorada de la belleza y de la vida, atraída por el color, sensible, (lo que llaman PAS), disléxica, llamativa, impuntual. Optimista, esperanzada. Con carácter, pero tierna. Y si me gusta la belleza es sobre todo por su misterio, no hablo de la belleza edulcorada o fácil, sino la que tiene relato, la que se encuentra en la realidad, por cruda que sea. Soy una persona que, cuando entro en un hotel, cambio las cosas de sitio porque simplemente tal y como están no me parecen bien.
— ¿Y qué quieres ser?
— Aparte de feliz quiero ser mejor madre, y una pintora que vive tranquila, dedicándose sólo a pintar. Al final un artista es un canal entre la realidad y la obra, y por tanto pide un tiempo de meditación. Para encontrar esa mirada única, que hace que la gente te vea. Si te ven, es porque eres de verdad.
