Nuestro conjunto de cámara más internacional, acostumbrado a tocar en las principales salas del mundo frente a los públicos más exigentes, afronta en su retorno al Palau de la Música Catalana un programa repleto de alicientes, una selección de piezas que de algún modo permiten trazar la historia del cuarteto de cuerda, el género que este conjunto viene cultivando en las últimas décadas con un inacabable listado de logros en forma de grabaciones y premios. Comenzando por uno de los cuartetos compuestos por Franz-Joseph Haydn, el “padre” del género musical, cuya forma fijó durante su estancia en la corte Esterházy y legó a los músicos de generaciones venideras, entre quienes, por ejemplo, se encontraba Ludwig van Beethoven. Así, a la interpretación del muy expresivo Cuarteto en Sol menor, op. 20, núm. 3, vinculado a las vehementes y contrastadas sinfonías Sturm und Drang de la misma época, le sucederá un cuarteto de madurez de Ludwig van Beehoven -de hecho, la última composición de su opus acabada por él en vida- el Cuarteto en fa mayor, op. 135. Un ejercicio personalísimo del genio de Bonn, que demuestra el seguimiento y -sobre todo- la trascendencia de la forma clásica, con una propuesta atemporal, llena de aventuras tonales y rítmicas, además de la célebre -entre ontológica y humorística- pregunta Muss es sein? (“¿debe ser?”) que Beethoven vehicula musicalmente y responde con una impetuosidad fascinante.

No menos personal es la música de cámara del último compositor convocado por el Quartet Casals, sin duda uno de sus favoritos, a tenor de su frecuente programación. Se trata de Dimitri Shostakovich, quien experimentó con angustia la presión del régimen soviético, y de hecho la plasmó en sus composiciones de menor envergadura, en contraste flagrante con los encargos oficiales. Composiciones más modestas en términos de instrumentación pero mucho más libres, pródigas en mensajes en clave y con una gama de afectos amplísima, como la que reflejaría una especie de diario íntimo, con constantes altibajos y cambios de humor, enlazados eso sí por la coherencia única y el arte de su autor. El Cuarteto núm. 9 en mi bemol mayor, op. 117, no es una excepción. La lectura del Quartet Casals culminará una velada de contrastes e intensidad, caracterizada por el rigor interpretativo y la pasión inherente a su compromiso musical. Lo sabe bien el numeroso público que congrega el conjunto en sus conciertos barceloneses. No por consabida, en este sentido, debemos dejar de repetir la obviedad; y es que siempre es una suerte -un enorme privilegio- poder escuchar con cierta asiduidad a un cuarteto de tan alto nivel.

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William Christie, uno de los principales intérpretes de música antigua -referente mundial durante más de una década y autor de grabaciones premiadas- vuelve a los escenarios barceloneses, en este caso al Gran Teatre del Liceu, con su conjunto habitual, Les Art Florissants, para interpretar en formato concierto una de las obras más espectaculares de Händel.

Se trata de Partenope, que los organizadores del Liceu califican de “un delirio de creatividad”. La ópera “narra las vicisitudes y los debates internos de la reina Partenope, fundadora de Nápoles, en la aventura de elegir marido entre tres pretendientes rivales (Arsace, Emilio y Armindo). Intrigas, estrategia e identidades erróneas revelan verdades profundas sobre el amor y la guerra”. El gusto por el engaño, por el carácter equívoco de la apariencia -no sólo falsa, o no siempre falsa, sino que variable en su significación- reaparece en muchas producciones del periodo. Con un reparto vocal a la altura de los instrumentistas, conformado por los ganadores del premio Le Jardin des Voix de LES ARTS FLORISSANTS – William Christie de 2021, el director y padrino del proyecto, a la postre “experto en Händel, realizará una construcción de esta obra maestra captando las miradas y las sonrisas que se encuentran ocultas en la partitura y transformando las notas en sustancia dramática”.

DOSTOYEVSKI: CONTEMPORÁNEO Y PROFETA

Casa de Rusia, hasta el 28 de enero

Las lecturas y relecturas que habilita hasta nuestros días la obra de Fiodor Dostoyevski -pensemos sin ir más lejos en cómo lo insiere Woody Allen en su maravillosa Matchpoint- justifica la elección del título de la exposición que puede visitarse en la Casa de Rusia hasta final de mes. Pocos son los autores que han logrado captar los bajos fondos de la condición humana, poner nombre a lo innombrable y, desde la apariencia más descarnada, aun dejar intacta una brizna de esperanza. Cierto que a tenor de obras breves pero profundamente oscuras como Las memorias del subsuelo o extensas pero tremendas en el hilo conductor que las articula, como Los hermanos Karamazov -la posible legitimidad del asesinato- uno diría que no hay precisamente espacio para la filantropía. Y es que, sin ser ni mucho menos un escritor luminoso, desde su profundo conocimiento de la psique humana consigue, a través del ejercicio de la ficción, que el lector entienda cuestiones problemáticas, inquietudes o miedos atávicos que la filosofía de todos los tiempos ha querido explicar, y rara vez lo ha logrado de manera convincente. Los materiales que se exhiben en esta exposición -que se reivindica, como no, “inmersiva”- muestran las diferentes facetas de la compleja personalidad del escritor ruso. La exposición consta de tres partes, recuerdan los organizadores: la sección denominada “artística” exhibe ilustraciones de la artista italiana Valeria Brancaforte que se inspiran en Crimen y castigo, habiendo sido creadas especialmente para la exposición.‍ La sección documental describe cronológicamente las principales etapas de la vida y obra de Dostoievski. Y, finalmente, la sección propiamente inmersiva ofrece al espectador una oportunidad única de interactuar con la imagen del gran escritor, el tiempo y los héroes y antihéroes de sus obras.

Toda una declaración de principios, la que exhibe el título de esta exposición organizada por el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, no sólo a modo de provocación. La máscara nunca miente recuerda la concepción falsamente falsa de la apariencia; el carácter artificioso de toda mostración, muy especialmente la que advierte que lo que hay debajo de lo que se muestra podría ser distinto.

Desde hace tiempo varios pensadores han apuntado al hecho de que la máscara no contradice sino conforma lo que la persona es o -mejor dicho- deviene; desde el siniestro y alegórico relato de Edgar A. Poe La máscara de la muerte roja a tantos ejercicios de falso encubrimiento, entre los cuales podemos encontrar por ejemplo el contraespionaje. Como ha explicado Slavoj Žižek con herramientas psicoanalíticas, el ser humano es el único que puede engañar con la verdad. El empleo de la máscara, según lo apuntado tiempo atrás por Julia Kristeva, dinamita la creencia positiva en un significado cerrado; al mismo tiempo, por debajo habilita un espacio de realización de la persona. “Al fingir que ya somos algo, nos convertimos efectivamente en ello. Para captar la dialéctica de este movimiento debemos tomar en cuenta el hecho crucial de que ese ‘afuera’ nunca es sencillamente una máscara que llevamos en público, sino que se trata del registro simbólico” -escribe Žižek en el capítulo de Mirando al sesgo sintomáticamente titulado “Cómo los no engañados se equivocan”- para concluir que “este lugar externo define nuestra posición verdadera”. Desde fuera del psicoanálisis, George Steiner lo expresaría en su opúsculo Diez razones para la tristeza del pensamiento de otra manera, al incidir en que “la máscara se lleva debajo de la piel”. Más allá de implicaciones fenomenológicas, ontológicas o -como decíamos- psicoanalíticas, la exposición del CCCB se centra asimismo en la realidad política, en el trastocamiento de los discursos que se produce con la puesta en circulación de máscaras: “Entre el Ku Klux Klan y Pussy Riot, se extiende, así, un repertorio heterogéneo de rostros enmascarados tras los que se esconde no solo una identidad, sino también el origen de algunos fenómenos que definen nuestro presente, como las fake news, la conspiranoia o los mecanismos de control biopolítico”. Estructurada en siete secciones que muestran eventuales correspondencias -“temáticas e iconográficas”- la muestra cuenta con obras de Félicien Rops, Lavinia Schulz, Leonora Carrington, Kati Horna, Marcel Janco, David Lloyd y Lourdes Grobet -entre otros artistas contemporáneos- que se disponen junto a creaciones realizadas ex profeso, en ocasión de la presente exposición, a cargo de Nico Roig, Martí Riera y Onliyú, José Lázaro, Joaquín Santiago, Fernando González Viñas, Dostopos, May Pulgarín (Tropidelia), Las Migras de Abya Yala (Jahel Guerra Roa y Lorena Álvarez Chávez), Domestic Data Streamers, Antoni Hervàs, Beatriz Sánchez y Gitano del Futuro.

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