El Teatre Nacional ha programado durante todo el mes de febrero la representación de una obra de Josep Maria Benet i Jornet dotada de un título inequívocamente frontal, que aborda sin embargo una de las cuestiones más complejas e inexpresables de la naturaleza humana. Quizá por eso -precisan los organizadores- la elección de una “atmósfera fantasmagórica y onírica” en la presente puesta en escena, un rasgo común a una de las más llamativas narraciones del enigma que constituye el deseo durante el siglo XX, como es la película Eyes Wide Shut de Stanley Kubrick. Una obra inspirada por el Relato soñado del novelista y dramaturgo vienés, que a su vez había sido admirado por el padre del psicoanálisis, Sigmund Freud. Volviendo, con todo, a la sala grande del TNC, la obra de Benet i Jornet -concebida unos diez años antes que aquella producción cinematográfica- cuenta con un elenco de artistas dignos de reseña, comenzando por su directora Sílvia Munt, que ha escrito al respecto que se pone en escena “un mundo en que lo que es verdad y lo que es sueño, deseo, se cruzan constantemente. Continuamente se juega con un doble lenguaje y también en un doble universo: lo que nos pasa y lo que querríamos que nos pasara. Como en la vida, si pudiéramos escucharnos sin filtros descubriríamos que muchas veces hay un doble juego en nuestras decisiones del que ni siquiera somos conscientes (…). El deseo nos hace caminar, nos hace volar, nos hace salir del aburrimiento, y, a pesar de querer esconderlo, se obstina en existir”.

La directora tiene asimismo palabras de agradecimiento hacia el creador de la obra, fallecido en 2020. Se refiere al “paso hacia el abismo” que él dio con valentía en 1989, “cuando aún todo era más difícil. Este empujón en la espalda que te hace saltar y te hace ser más valiente, sumergiéndote en lo que no es evidente”. La trama de esta obra puede parecer sencilla, algo que su redunda en la simplicidad de la escenificación (“Desig es la inquietante historia de un matrimonio que ve interrumpida su vida rutinaria. Llamadas anónimas y un coche que hace señas al lado de una carretera. La misteriosa conexión con una pareja de desconocidos. Los recuerdos de una noche que casi se habían borrado”) y, sin embargo, se percibe una profundización de calado psicológico gracias a las actuaciones de Laura Conejero, Carles Martínez, Raimon Molins y Anna Sahun. Abismándose a la realidad del deseo el espectador se impregna de su real complejidad, viéndose acaso reflejado en los pormenores de situaciones que se imponen desconcertantes. Reveladoras e inquietantes, diluyen las fronteras entre el sueño y la vigilia.

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Dos recitales de recomendación obligada, que se producirán en días consecutivos, el 21 y 22 de febrero en la sala noble del Palau de la Música Catalana, protagonizados por dos de los pianistas más importantes

de los últimos tiempos. Internacionalmente aclamados, han recibido en cada de una de sus visitas muestras visibles de afecto por parte del público barcelonés, que se frota las manos cuando se anuncia, finalmente, el programa que interpretarán. Se da la coincidencia de que ambos, tanto Khatia Buniatishvili como Grigory Sokolov atraen a sus incondicionales por la calidad de su pianismo, sin necesidad de precisar con mucha antelación las piezas escogidas en cada ocasión. Por eso se suele atrasar el momento hasta pocas semanas antes (como muestra de ello, el caso del segundo: a estas alturas, a finales de enero, aún no se sabe qué tocará). A propósito de Buniatishvili, desde hace poco que sí lo sabemos. Los organizadores del evento escriben: “Sus recreaciones de obras del repertorio pianístico se caracterizan por el apasionamiento con el que las defiende y el enorme virtuosismo con que afronta cada interpretación, llevando al límite las posibilidades físicas -¡e incluso acústicas!-, tanto de si misma como del espectador. No importa qué toque: Buniatishvili siempre sorprende y siempre emociona”. Y es que su personalidad interpretativa -no menos irrenunciable que la del carismático Sokolov- se mostrará con la pasión característica en un elenco maravillosamente contrastado de piezas, desde la meditativa Gymnopédie núm. 1 de Erik Satie a la vibrante y virtuosa Rapsodia Húngara núm. 2 de Franz Liszt. Entre ambos extremos, se escucharán diversas piezas del compositor romántico que más profundizó en el alma del piano, Friedrich Chopin, así como un Impromptu de Schubert y la emotiva transcripción de su serenata (Ständchen) por Liszt, de quien se interpretará asimismo su Consolation núm. 3. Una pieza de Couperin y dos transcripciones de obras de Bach, la primera la celebrada Aria de la Suite para orquesta, y la segunda el complejísimo Preludio y fuga para órgano BWV 543, realizada nuevamente por Liszt. Un recital intenso y ameno, generoso en emociones contrastadas -el de Khatia Buniatishvili-, que se producirá el día antes del programado por el ruso Grigory Sokolov. No sabemos qué nos deparará, pero -como en el día anterior- el compromiso con la música y la intensidad están garantizados.

Ópera fundacional del género, que tematiza la cuestión misma del canto dando a entender su poder taumatúrgico a partir del relato mítico, el Orfeo de Monteverdi

El Museu Europeu d’Art Modern, que reconocidamente apuesta por las creaciones figurativas que se inspiran en la tradición -el caso de la exposición dedicada al italiano Roberto Ferri, discípulo lejanísimo de Caravaggio se antojaba antonomástico-, exhibe en su A Tour de Force un importante número de obras del artista norteamericano Shane Wolf. En total son unas 200, en diferentes tamaños, pero que tienen en común la representación del cuerpo humano, desde perspectivas insólitas o en contorsiones que podrían recordar a las de Egon Schiele, si no fuera por el exacerbado realismo de Wolf, en lo que respecta a las proporciones y a los matices de su trazo. El escorzo, frecuente y eventualmente exagerado, muestra lo que creíamos conocido desde puntos de vistas inusuales, dando un nuevo sentido al propio figurativismo. Los organizadores explican que en esta antología el artista “ha querido plasmar no sólo las obras finales sino todo el proceso de creación artística, desde la investigación compositiva abstracta inicial, las composiciones de valor, el guion gráfico y de colores, la investigación de posturas y los dibujos preparatorios finales, hasta llegar a la obra terminada”. En la línea de lo antes apuntado, prosiguen diciendo que “el estilo del pintor está inspirado en el clasicismo académico que venera tanto la belleza como el equilibrio. Asimismo, también está inspirado en un gesto muy contemporáneo, que se denota en el giro feroz de los cuerpos contorsionados”.

La representación artística deviene parte de la realidad, al alcance de los espectadores, y no una simple repetición. Es más, la selección artificiosa o focalización en determinadas partes de la anatomía humana, que podrían animar a una cosificación, de algún modo tematizan la cuestión de la propia mirada que realiza aquello que reconoce, en un sentido ya no meramente objetivo. En lo que respecta a la combinación de técnicas empleadas para suscitar ese efecto en el espectador, “la pintura de Shane Wolf transmite una sensación “táctil” de realidad. Los cuerpos se materializan mediante trazos de carboncillo, toques de sanguina y rayados de tiza blanca o Pierre noir. El artista utiliza esta técnica académica con destreza, combinándola con un toque contemporáneo muy audaz: el uso de colores deslumbrantes”. Se trata, por todo lo dicho, de una exposición que articula de manera soberbia la cosmovisión moderna del arte con algunas de las tendencias contemporáneas, en que se advierte la contemplación nunca completamente desinteresada de los cuerpos.

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Paradójicamente se ha convertido Banksy en parte del imaginario colectivo que, al menos en contexto urbano, ejemplifica lo que -se supone- ha de ser o hacer un “artista”. Su arte de la protesta -según reza el título de la exposición- circula perfectamente adaptado al mercado y a la apreciación de lo artístico.

Una posibilidad, de hecho, que el misterioso artista había ya anticipado en diferentes ocasiones. Por quedarnos con las más memorables, recordemos solo un par: por un lado, su falso documental Exit Through the Gift Shop de 2010. Una película en que el artista original, pero siempre de incógnito, se confronta con la posibilidad de imitadores menos sutiles y aun así comparablemente mediáticos -en la exhibición de mensajes subversivos, o contestatarios- que se convierten en objetos de consumo como cualquier otro producto. La otra situación que confirma la conciencia de Banksy a propósito de la problemática valoración de las formas de artes subversivas -tanto más inocuas, desprovistas ya de su mordiente- la encontramos con su intervención en el contexto de una conocida casa de subastas, con la autodestrucción programada de una de sus obras, una vez fue adjudicada al mejor postor. El arte pop ya había participado de una paradoja parecida a la que amenaza a Bansky, si bien el artista anglosajón se muestra más incisivo y pertinaz en el señalamiento de la contradicción. La muestra que hasta el 13 de marzo ofrece el Disseny Hub de Barcelona compila más de 70 obras, que en su gran parte proceden de colecciones particulares. Los formatos y las técnicas empleadas son sumamente diversos: óleo, acrílico o espray sobre lienzo y madera, serigrafías de edición limitado, esténcil sobre metal o hormigón, esculturas, instalaciones, vídeos y fotografías. Para no ser ajenos a la actual moda de las experiencias inmersivas advierten los organizadores que la exposición se inaugura con una instalación multimedia “especialmente creada para esta muestra dará la bienvenida al visitante, desvelando pistas sobre el misterioso artista, destacando sus piezas más importantes y enmarcando su insólita trayectoria, no exenta de polémica”.

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