Con una gran sonrisa y la ilusión reflejada en el rostro, Albert Guinovart nos recibe en el Palau de la Música Catalana. Y no es extraño: el compositor y pianista catalán presenta por primera vez en este templo de la música, un repertorio íntegramente propio. Bajo el título Guinovart interpreta Guinovart, el artista hará un recorrido por sus creaciones más populares, como los 24 preludios o el galardonado Trío Celebration, obra con la que ganó el Premio de la Academia de la Música de España.
— El título del concierto del próximo 15 de julio lo dice todo: Guinovart interpreta Guinovart. ¿Qué siente un compositor cuando se enfrenta solo ante el piano a su propia obra en un escenario como el Palau de la Música? ¿Es más fácil o da más respeto que tocar música de otros?
— Hace años que voy tocando música mía, aunque al principio de todo no quería mezclar mis dos facetas de intérprete y de compositor. Durante mucho tiempo evité tocar cosas mías y me centré en interpretar repertorio clásico, como Schubert o Brahms. Pero los últimos años, viendo que cuando incluía alguna pieza propia el público reaccionaba de manera muy positiva, he ido añadiendo cada vez más. A mí me gusta mucho combinarlo; además, es una manera de demostrar que todavía estoy en forma y con el nivel necesario para seguir haciendo repertorio.
Aunque en el Palau de la Música se han estrenado muchas obras mías y he tocado a menudo, nunca había hecho un concierto entero de obras de piano solo.
En esta ocasión, como ya tengo mucha obra de piano solo escrita, pensamos que sería una buena idea organizar un concierto centrado exclusivamente en mi producción para este instrumento. Aunque en el Palau de la Música se han estrenado muchas obras mías y he tocado a menudo, nunca había hecho un concierto entero de obras de piano solo. Será el primero, y me hace mucha ilusión porque siempre digo que el Palau es mi casa musical. Es donde crecí de pequeño viendo las grandes figuras que pasaban por allí y recuerdo estar abonado a los conciertos de la antigua Orquesta Ciudad de Barcelona (OCB). Siento muy mía esta casa y este escenario.
— En el programa vemos un repertorio muy íntimo, con tus 24 preludios o las obras de homenaje, pero también un cierre que seguro hará levantar al público: selecciones de Mar i cel y Gaudí. ¿Cómo has diseñado este viaje musical?
— He planteado un repertorio con obras de concierto que he compuesto últimamente y que nunca he interpretado aquí. De hecho, creo recordar que no hay ninguna que haya tocado antes en el escenario del Palau; por lo tanto, esta ha sido una premisa a la hora de diseñar el programa. Por ejemplo, los 24 preludios enteros los toqué al principio de todo, pero no los había vuelto a interpretar nunca más juntos. Todo el bloque principal está formado por obras de concierto puras, pero después pensé que si el concierto se titula Guinovart interpreta Guinovart, habría una parte del público que esperaría que tocara alguna suite o alguna canción de Mar i cel.
Como además coincidimos con el Año Gaudí, donde también hemos hecho la versión de concierto del musical Gaudí, he preparado dos pequeñas selecciones de estos dos musicales. Normalmente, estas piezas las dejo para la sección de bises, pero pensé que en julio, en una temporada donde el público quizás no está tan acostumbrado a la dinámica habitual de conciertos, estas melodías podían funcionar como un buen reclamo para llamar la atención. Quiero dejar claro que estas selecciones de los musicales no son piezas pensadas originalmente para piano solo; es casi como ofrecer una propina avanzada. El meollo y el repertorio fuerte del concierto será la obra clásica específica.
Estas selecciones de los musicales no son piezas pensadas originalmente para piano solo; es casi como ofrecer una propina avanzada.
— Hace muy poco vivimos la despedida de Dagoll Dagom con Mar i cel, pero por Navidad saltó la noticia: El Mago Pop ha comprado los derechos y el musical volverá al Teatre Victòria. ¿Cómo has vivido este giro de guion? ¿Qué sientes al saber que seguirá navegando, pero con un nuevo capitán?
— La noticia me hace mucha ilusión porque Mar i cel se ha convertido en un gran clásico. Al principio me daba un poco de rabia que, con la cantidad de música y obras de concierto que he escrito, la referencia principal hacia mi figura fuera siempre Mar i cel. Pero con el tiempo me he reconciliado: se ha convertido en un clásico que se repone cada ciertos años, se editan las partituras, los coros de toda Cataluña cantan sus coros y muchos solistas interpretan sus temas. Ir en contra de eso sería absurdo. Saber que la obra tendrá una vida asegurada en el futuro, y que ya no dependerá solo de si Dagoll Dagom la puede producir o no, es una gran alegría y una esperanza de continuidad.
— En este concierto estrenas una obra, el Nocturno Rosa, dedicado a Rosa Sabater, que se une al Nocturno Alicia. ¿Cómo surge la idea de evocar el legado de estas dos grandes pianistas?
— Tengo una colección bastante grande de Nocturnos que voy dedicando a diferentes personas, a veces por encargo y otras por iniciativa propia. El caso de Alicia de Larrocha nació a raíz de su centenario. Aunque lo estrené primero en el Teatre Principal de Sabadell —porque era residente allí—, lo compuse pensando en mi debut en recital en el Carnegie Hall de Nueva York. Quería hacerle un homenaje en un escenario que ella había pisado muchísimas veces y donde, curiosamente, aquel año no se había programado ningún gran reconocimiento. Yo nunca fui alumno suyo, pero la traté y conocí lo suficiente a través de Xavier Montsalvatge y de Victòria dels Àngels; era una persona que admiraba muchísimo.
El caso de Rosa Sabater es diferente porque no la conocí personalmente; murió en un trágico accidente de aviación cuando yo todavía era muy joven. Después he tenido el placer de conocer a su hija, con quien tenemos una cierta amistad. Como el año que viene se celebra su centenario, he querido aprovechar la ocasión de este concierto en el Palau para adelantarme, ya que el año que viene no creo que vuelva a tocar en este ciclo. Es una línea de homenajes particulares que me gusta mucho hacer. Por ejemplo, también tengo un Nocturno dedicado a Pilar Bayona, una pianista de Zaragoza muy conocida; cuando hice un recital allí, aproveché para tocarlo. Me parece una manera muy bonita de recordar su legado.
— Mucha gente va por la calle silbando tus melodías sin saber, a veces, que son tuyas. Pasa con la sintonía de Nissaga de Poder, la de El cor de la ciutat o incluso con el 'Per què he plorat' de Mar i cel. ¿Cómo se gestiona este anonimato del éxito popular? ¿Te gusta que tu música forme parte de la banda sonora colectiva de los catalanes?
— Es un auténtico orgullo. Es verdad que muchas veces la gente no es que no sepa quién lo ha hecho, sino que tiene la sensación de que aquella melodía se ha hecho sola, como si hubiera existido siempre y no hubiera ningún compositor detrás. Pero poder conectar con el público de esta manera es el gran objetivo. Lo que tú creas en tu intimidad, en tu casa, nace con una voluntad de comunicación. Que finalmente llegue tanto a la gente que la pueda descargar en su día a día y tararearla por la calle es una satisfacción enorme.
Lo que tú creas en tu intimidad, en tu casa, nace con una voluntad de comunicación.
— Treinta años después del estreno de tus primeros musicales, las nuevas generaciones los siguen cantando. ¿Cuál es el secreto para escribir una melodía que parece que no caduque nunca?
— ¡Si supiera el secreto, lo haría siempre! Yo estoy muy contento de todo lo que hago porque siempre me entrego al cien por cien, pero es verdad que unas piezas llegan más que otras. Con las canciones, el éxito depende mucho del contexto del espectáculo y de si la historia conecta con el público. En Cataluña, por ejemplo, Mar i cel ha arraigado de una manera brutal. También se debe tener en cuenta que, cuando pones música a una dramaturgia, no puedes hacer grandes éxitos en cada escena. Hay momentos hechos para lucirse, como la gran balada de amor, el Himno de los piratas en Mar i cel o el Himno al Paral·lel en Flor de Nit. Pero también hay pasajes más oscuros, menos floridos, donde la música debe ir en consecuencia con la tensión de la historia y hacer un trabajo de fondo.
— ¿Y cómo se trabaja esta simbiosis? ¿Cuál es la dinámica de trabajo con el dramaturgo o el libretista?
— El noventa y nueve por ciento de las veces trabajo a partir de la letra ya escrita. He tenido la suerte de colaborar con grandes libretistas: Joan Lluís Bozzo en Mar i cel, Manuel Vázquez Montalbán en Flor de Nit, o Jordi Galceran en Gaudí i Paradís. Primero hablamos del tipo de música o del aire que conviene para cada momento, pero la letra la hacen ellos primero. Como excepción, con Galceran, como ya habíamos hecho Gaudí, Paradís y unos Pastorets, un día me propuso hacerlo al revés: "Esta vez tú haces primero la música y yo le pondré la letra". Yo le decía: "¿Pero cómo quieres que componga una música si no sé de qué tiene que hablar?". Él me marcaba la temática, el aire y el color de la escena, y yo escribía. Lo pidió porque cuadrar una letra en abstracto, asegurándose de que todos los acentos borden y que el texto sea perfectamente comprensible y cantable, es un trabajo linkado a la métrica que a veces les cuesta mucho.
A pesar de esta experiencia, prefiero el método tradicional. Me gusta que la música subraye lo que está pasando en el escenario, ya sea en una canción, en un musical, en una ópera o en un ballet. Mi prioridad es potenciar el mensaje, las emociones y dar apoyo artístico a la historia que se está contando.
Me gusta que la música subraye lo que está pasando en el escenario, ya sea en una canción, en un musical, en una ópera o en un ballet.
— El 2026 te ha traído un gran reconocimiento con el Premio de la Academia de la Música de España por tu Trio Celebration. ¿Cómo recibiste la noticia y qué crees que se ha valorado de una pieza que apuesta de manera tan clara por el optimismo?
— La obra nace de un encargo del Tempus Trio para celebrar su quinto aniversario. Los tres integrantes son músicos fantásticos y grandes amigos; de hecho, con el violinista y la violista hemos compartido escenario tocando juntos a menudo, y con el pianista, Ricard Rovirosa, hemos coincidido en diversos homenajes. Que unos músicos profesionales te encarguen una obra expresamente para ellos es el mayor reconocimiento posible, porque sabes que la defenderán con pasión y que realmente quieren tocar tu música. La única condición que me pusieron es que fuera una obra larga para poder completar un disco, así que estructuré un trío clásico de cuatro movimientos a la romántica.
La verdad es que la resolución del premio me cogió totalmente por sorpresa. Sabía que estaba nominado porque me había llegado de rebote, pero nadie de la organización me avisó de nada ni me pidió que fuera. Como en estos certámenes te suelen invitar si tienes que ganar, di el premio por perdido. Salí de una reunión, miré el teléfono y vi un mensaje de la discográfica que decía: "Felicidades por el premio". Me supo mal no haber podido ir a Madrid a recogerlo ni haber podido delegar en alguien, pero la sorpresa fue mayúscula. Recibir este reconocimiento de la Academia significa que son tus propios colegas de profesión quienes valoran tu trabajo, y eso, sumado a la alegría de los músicos que hicieron el encargo, hace que sea un momento muy bonito. Para acabar de redondearlo, aquella misma semana me hicieron miembro de la Academia del Cine Catalán. Fue una semana de mucha sobreexposición, pero muy feliz.
La verdad es que la resolución del premio me cogió totalmente por sorpresa.
— Tus 24 preludios de Poems Without Words nacieron durante la pandemia y han arrasado en las plataformas de streaming. ¿Te esperabas que una música de piano solo, nacida en un momento tan oscuro, conectara con más de 100.000 personas en Spotify?
— Cuando creo una obra, siempre lo hago con la intención de darla a conocer. Hay una frase de Mozart con la que, salvando todas las distancias evidentes, me siento muy identificado: "Yo hago música para sentirme amado". Cuando compongo, lo que quiero es regalar estas notas y que la gente las reciba bien. Que sean cien mil personas anónimas a través de una pantalla o cincuenta en una sala de conciertos, lo agradezco exactamente igual.
Es cierto que estos preludios poéticos que grabé con Sony han tenido muchísimo eco, igual que el Nocturno a Chloé. Curiosamente, en las plataformas digitales tengo muchas más reproducciones de estos discos de piano solo que de todo el musical de Mar i cel entero. Mar i cel es un fenómeno cultural muy potente, pero muy ligado a nuestra tierra, mientras que el piano solo tiene un lenguaje absolutamente universal que viaja sin fronteras.
— Cine, ópera, musicales, ballet, docencia... Tocas prácticamente todos los ámbitos de la creación. Mirando este mapa, ¿en cuál de estos terrenos disfrutas más componiendo y dónde sientes que te expones más ante el público?
— La exposición máxima la sientes cuando subes al escenario de una sala de conciertos, porque allí eres el protagonista absoluto. Pero, por esta misma razón, también es donde recibes la satisfacción más directa. A mí me encanta el trabajo en colaboración, como hacer musicales o bandas sonoras, pero tienes que asumir que eres una pieza más dentro de un engranaje muy grande. En la televisión, por ejemplo, eres una pieza pequeña y puedes decidir muy pocas cosas sobre el resultado final. En los musicales ya estás al mismo nivel que el libretista o el director de escena, y en una ópera la música tiene todavía más peso. Pero la música de concierto es la libertad absoluta: eres tú delante del papel y el intérprete delante del público. Implica más responsabilidad, pero no dependes de nadie.
Esto no quita que el trabajo colectivo del teatro me enriquezca muchísimo y me fuerce a hacer cosas que nunca habría hecho solo. Por ejemplo, yo soy un compositor de estilo muy intimista, pero cuando preparo repertorio de concierto para piano me fuerzo a escribir pasajes más virtuosísticos y exhibicionistas para buscar el brillo que el público de una gran sala también agradece.
A mí me encanta el trabajo en colaboración, como hacer musicales o bandas sonoras, pero tienes que asumir que eres una pieza más dentro de un engranaje muy grande.
— En tu biografía destaca una etapa que parece de película: tus recitales por todo el mundo junto a la mítica soprano Victòria dels Àngels. ¿Cuál es el mejor recuerdo que conservas de aquellos años a su lado?
— Tengo miles de recuerdos, pero el mejor se podría resumir en la inmensa emoción que sentía al acompañarla. Yo compartí sus últimos diez años de carrera. Ya era una mujer mayor y lógicamente no estaba en la plenitud vocal de su juventud, pero tenía una magia única. Siempre había una canción concreta en cada recital —fuera un lied de Brahms o la Canción de cuna para dormir a un negrito de Montsalvatge— que hacía que giraras la cabeza y pensaras: "Solo por este instante ha valido la pena todo el viaje y toda la gira". El conservatorio y mi profesora en Londres me enseñaron toda la técnica hasta llegar a la puerta del escenario, pero a pisar y dominar las tablas lo aprendí junto a Victòria. Era una maestra absoluta de la comunicación; su arte trascendía el canto, era algo ultramusical que hacía llorar de emoción al público de cualquier país.
De giras hicimos muchas. Recuerdo una anécdota en la primera de las dos giras que hicimos por Australia y Nueva Zelanda. El primer concierto era en el emblemático Town Hall de Sídney. Ella ya pasaba de los setenta años. En el momento de salir en la media parte hacia los camerinos, se tenía que bajar una tarima con escaleras, tropezó y se cayó. Se quejaba mucho del dolor, pero quiso hacer toda la segunda parte del concierto y los bises de pie encima del escenario, sin moverse para que yo no tuviera que estar sufriendo por ella. El concierto fue un éxito brutal, el público lanzaba serpentinas... Cuando acabó y llegó el médico, vimos que se había roto el tobillo. ¡Hizo media parte y bises con el tobillo roto! Y lo más increíble es que no suspendió la gira; la hicimos entera durante dos meses con ella escayolada. Aquella era su gran lección: su vida era la música y decía que para ella era mucho mejor estar trabajando y transmitiendo a la gente que no quedarse encerrada en casa con el pie sano.
Era una maestra absoluta de la comunicación; su arte trascendía el canto, era algo ultramusical que hacía llorar de emoción al público de cualquier país.
— Para acabar, ¿qué encontrará el público en este concierto tan personal en el Palau de la Música y con qué sensación te gustaría que se fueran a casa?
Yo siempre pienso que si la gente se lo pasa bien durante un rato, los músicos ya hemos hecho mucho. A veces los artistas nos pensamos que hacemos algo trascendental, y en el fondo nuestra primera misión es entretener. Ahora bien, si además de entretener consigo que la gente se emocione, que reflexione o que le vuele la imaginación, me daré por satisfecho. Hay mucho sentimiento depositado en esta música, desde los 24 preludios, que reflejan las emociones vividas día a día en un momento muy particular, hasta el resto de piezas. Si puedo tocar la fibra del público estaré muy feliz, y si encima se divierten con el final de fiesta de los musicales, mejor que mejor.
Ahora es el momento de disfrutar en directo de las composiciones de Guinovart en el Palau de la Música. Será el próximo 15 de julio a las ocho de la tarde.
