El futuro del galerismo me lo imagino más cohesionado. El mundo del arte siempre existirá, al igual que el galerismo; lo que cambia es su forma, en paralelo a la transformación de la sociedad. Ser galerista no es ser un comerciante de arte. Es construir relato, ejercer el comisariado y asumir una responsabilidad crítica sobre lo que se muestra. Las galerías investigamos, descubrimos artistas e impulsamos trayectorias que a menudo acaban siendo reconocidas por los museos. Y, sin embargo, este papel no siempre recibe el reconocimiento que merece. Haría falta más memoria y más generosidad entre instituciones.
A pesar del contexto convulso, el futuro es esperanzador. Pero será exigente: solo perdurarán aquellas galerías con una identidad clara, coherentes en su programación y capaces de posicionarse con una voz propia. En un entorno altamente competitivo, la singularidad ya no es un valor añadido, sino una condición de supervivencia.
Una de las carencias estructurales del sector es la dificultad de trabajar colectivamente. Llevo más de una década vinculada al GAC, desde donde impulsamos iniciativas como la Semana del Arte y los Premios GAC. Ambas propuestas buscan sumar: conectar galerías, museos y otros agentes culturales, generar sinergias y ampliar públicos. Compartimos retos, y solo desde la colaboración podremos afrontarlos con solidez. También es imprescindible reforzar los vínculos con el mundo educativo. El futuro pasa por las nuevas generaciones, y es necesario facilitarles el acceso al arte desde edades tempranas, conectando escuelas, universidades, galerías y museos en un mismo ecosistema vivo.
En mi caso, el traslado a Bailén 19 marcó un punto de inflexión. En Artur Ramon Art y como directora del Espacio de Arte, he podido desarrollar un proyecto propio con una base sólida: la tradición de anticuarios y un fondo que abarca del medievo a lo contemporáneo. Este diálogo entre épocas es lo que da sentido a los proyectos y permite construir nuevas lecturas, a menudo en colaboración con comisarios y artistas.
En este recorrido, el craft —especialmente la cerámica, el textil y las fibras vegetales— ha ido adquiriendo una presencia cada vez más central dentro de la programación. No solo como herencia de la tradición, sino como un lenguaje vivo y contemporáneo, capaz de conectar territorio, materia y pensamiento. Esta incorporación responde tanto a una inquietud personal como a la voluntad de estar atenta a prácticas actuales que amplían los límites del arte.
Nuestro trabajo se construye desde una doble mirada. Por un lado, una mirada literal, más directa y tangible, vinculada al relato histórico y material de las obras. Por otro, una mirada evocadora, más sutil y sugerente, que no ilustra sino que insinúa, y que es la que acaba otorgando singularidad a los proyectos. Es en este espacio de ambigüedad y sensibilidad donde las piezas dialogan más allá de su tiempo.
Mi práctica también se ha orientado hacia la recuperación de voces, especialmente femeninas, a menudo en etapas avanzadas de su trayectoria, a las que hemos contribuido a dar una nueva visibilidad. En algunos casos, este trabajo ha tenido continuidad en su incorporación a colecciones institucionales.
Lo que define nuestro proyecto es, en definitiva, una manera de mirar: hacer dialogar la tradición con el presente desde una perspectiva contemporánea y abierta, incorporando disciplinas, materiales y sensibilidades diversas. No se trata solo de mostrar obras, sino de generar lecturas y abrir espacios de interpretación. Porque es en esta capacidad de conectar tiempos, materias y miradas —entre lo literal y lo evocador— donde el galerismo encuentra hoy su verdadero sentido. Y, probablemente, también su futuro.
