Joana Roda (Bombon): "Ir a una galería de arte es un acto de resistencia"

Joana Roda se sienta en una silla en medio del blanco y de las texturas a la diáfana sala de Bombon, en una calle Trafalgar reconvertida en eje de galerías y de arte. Sus palabras flotan entre objetos urbanos transformados por Ludovica Carbotta en Column Press, reivindicando la importancia del arte, de detenerse y de ir a contracorriente. Bombon, desde su faceta de galería y también de representante de artistas, rema en este sentido, siempre con un talante colaborativo que genera red y se nutre de ella.

Es así como Bombon ha crecido en Barcelona —y, desde hace un año, también a Madrid—, e incluso como nació. El germen de lo que ahora es Bombon Projects, inaugurado ahora hace nueve años, emergió de este espíritu colaborativo: primero entre Joana Roda y el artista Bernat Daviu, y después de los dos hacia a artistas de los cuales empezaron a reunir obras a través de la iniciativa Passatge Studio. Aquella iniciativa fue creciendo hasta pedir convertirse en permanente.

— Y de ahí, disteis el salto a Bombon Projects.

— Inauguramos en 2017. Este espacio de proyectos fue creciendo, y nos planteamos: ¿por qué no profesionalizarlo? Estuvimos un año buscando el local adecuado hasta que encontramos un buen espacio en la calle Trafalgar, a pocas puertas del actual, y decidimos abrir. Desde entonces, poco a poco hemos ido creciendo, de manera sostenida, y también a base de prueba y error. Así hemos ido construyendo lo que ahora es Bombon Projects.

— ¿Qué pruebas y errores han ido marcando el camino?

— No han sido decisiones concretas, sino que vas viendo hacia dónde quieres ir, cómo quieres trabajar con los artistas. Sí que teníamos muy claro que queríamos que fuera un proyecto muy personal. Muchos de los artistas, de hecho, ya habían expuesto en Passatge Studio. De alguna manera, somos casi como una familia.

— ¿En qué sentido?

— Queríamos generar como una red de seguridad, para sostener todo esto. Lo que es importante es el arte y los proyectos artísticos, y todo esto se tiene que sostener, y una galería no es el negocio del siglo. Y menos en nuestro proyecto, ya que muchas exposiciones y trabajos que nos interesan no son especialmente comerciales. La manera que hemos encontrado para que sea sostenible es esta red, esta comunidad.

"Bombon se ha rodeado de gente que está muy convencida de la importancia de la cultura"

— Desde coleccionistas privados, con algunos que nos han apoyado desde el inicio y que han ido creciendo, hasta ventas institucionales. Los museos de Catalunya y del resto de España han respondido al programa que hemos propuesto y nos han ido comprando y nos han apoyado.

— ¿Y las ferias internacionales?

— Nos dan mucha visibilidad. Vamos a aquellas que son capaces de convocar el público más afín a los artistas con los que trabajamos, con una sensibilidad concreta. Porque al final, lo que proponemos nosotros no es fácil: no estamos vendiendo solo cuadros bonitos (que también), sino propuestas que no caben en cualquier pared [mientras mira a las obras de gran formato de Carbotta a su alrededor].

— ¿Cuál es esta sensibilidad?

— Tiene que haber un compromiso con la cultura; el coleccionista que decide apostar por un artista que trabaja de este modo tiene que creer firmemente que la cultura y el arte es motor de cambio y que hay que seguir apoyando estos proyectos. Es gente muy implicada, y esto es el que nos interesa y lo que creemos que se estamos consiguiendo. Bombon se ha rodeado de gente que está muy convencida de la importancia de la cultura.

— ¿Cuál es la esencia de los artistas por los que apuesta Bombon?

— No hay unos requisitos concretos, es más bien por intuición. Y buscamos que con los artistas se abarquen muchas disciplinas y temáticas, y que se genere un equilibrio. Pero, sobre todo, hay una cuestión de feeling; es lo más importante. Primero, que la obra del artista te interese; después, ver que te entiendes y, además, que puedes hacer algo para el artista. Al final, nosotros trabajamos para los artistas, somos un servicio, ¿no? La galería es importante pero, en el fondo, es poco importante. Sin los artistas, no serviríamos para nada. Son muchos elementos que se tienen que alinear para que funcione.

— ¿Cómo empieza este proceso de descubrimiento de un artista?

— Son muchas las vías: desde una feria internacional a una visita a un museo durante unas vacaciones. Lo que hace falta es tener los ojos muy abiertos y todas las antenas puestas ahí donde vas; por todas partes pueden aparecer artistas interesantes. Después de esta parte de investigación, viene la parte de abrir la relación con el artista y, después, de cuidarla.

— A veces incluso hasta representarlo.

— Sí. Y si te conviertes en representante de un artista tienes que conocer muy bien su trabajo, tienes que ser el máximo experto. Si vas a una feria y llevas su trabajo, lo tienes que saber explicar casi como si fueras el artista, y esto es una gran responsabilidad. No es solo cuidar su obra, es ponerle el espacio necesario para que pueda trabajar, y también de vender. Siempre te tienes que plantear qué podrás aportar a un artista. Ahora representamos a 15.

— Siendo galería y representantes, qué papel ejerce Bombon en la escena artística de Barcelona?

— Apostamos mucho por participar en el contexto y por la colaboración. Estamos en citas como la Gallery Weekend, Art Nou, The Collector is Present, ferias internacionales… Intentamos no ser una galería que mira hacia adentro, sino desde una posición de colaboración. En esta manera de trabajar se enmarca también el espacio que abrimos en Madrid hace menos de un año con la Galería Crisis de Perú, donde alternamos exposiciones.

"En su conjunto, las galerías forman el museo más grande que hay"

— Son ciudades diferentes en contextos diferentes. Creo que tendría que haber más vinculación y más trasvase de artistas y proyectos. Entrar en contacto con esta otra escena artística también es interesante y abre posibilidades y nuevos estilos que se contraponen con el de Barcelona. Siempre se ha dicho que Barcelona tiene una esencia más conceptual y experimental.

— ¿Os planteáis replicar nuevos espacios colaborativos en otras ciudades?

— Podría hacerse, pero no es un objetivo marcado como tal. De hecho, existe como una comunidad de galerías de la misma generación de diferentes lugares del mundo que nos vamos encontrando en diferentes ferias internacionales. Hace pocos días precisamente hemos vuelto de ARCO.

— ¿Barcelona necesita una feria de las dimensiones de ARCO?

— Yo creo que no. Tenemos la Gallery Weekend, Swab, Art Nou… Lo que haría que hacer es apoyar más a proyectos como la Gallery Weekend. Es un muy buen proyecto; viene mucha gente, pero hace falta que vengan más barceloneses. Es un gran formato, porque se hace desde la misma galería y no desde el estand de una feria. Al final, lo que buscas es que la gente venga a tu galería, y vuelva. Aquí puedes desplegar mejor toda tu fuerza, más que en una feria.

— Eso contibuye a romper barreras a la hora de entrar a una galería. ¿Todavía existen, o la gente se siente invitada a entrar?

— Aquí no para de entrar gente. Invitamos a entrar con la puerta muy abierta, dando la bienvenida a quien entra, explicando lo que pueden encontrar. En su conjunto, las galerías forman el museo más grande que hay en metros cuadrados, y hay que correr la voz. Son gratuitas y, está claro, no hay que comprar. Son un lugar fantástico.

— Aquí, la calle Trafalgar concentra unos cuántos de estos metros cuadrados.

— Se ha generado un eje de galerías, y lo visita bastante gente. Ayuda a visibilizar que, si calculas en metros cuadrados las galerías que hay Catalunya, es más grande que cualquier museo. Además de ser gratuito, hacemos actividades, como charlas, lecturas y conciertos. No hay excusa para no venir.

— ¿Qué hay que hacer para que más gente se sienta invitada a venir?

— Se está haciendo mucho, y creo que hay un punto en que, si alguien no viene, es porque no le interesa. No creo que sea porque la gente se sienta cortada por no comprar, sino que hay una parte simplemente que no le interesa. Si alguien no quiere entrar, no entrará. En cambio, si tienes interés y curiosidad, entras. Es una cuestión de interés.

— ¿Y existe, este interés?

— Esta es otra cuestión: no sé cómo está el tema del interés y la curiosidad hoy en día. Siempre tenemos tantas cosas a hacer, apenas se llega a final de mes, no tenemos tiempo de hacer nada. Y cuando lo tienes quizás solo quieres llegar a casa y tumbarte en el sofá, y también es lícito.

— O puedes optar por pasear entre obras de arte.

— ¡Yo creo que sí! Y quien viene y se atreve, repite. Queda claro con la Gallery Weekend. El año pasado tuvimos a más de 500 personas cada día. La gente tiene ganas, pero a veces parece que la gente necesita que haya un evento, un llamamiento concreto.

— Y a parte de que la gente venga, también hace falta que se compre arte. ¿Cómo incentivarlo?

— Se pueden hacer muchas cosas, empezando por el IVA cultural, que es un agravio muy importante. También haría falta una Ley de Mecenazgo catalana y, si queremos que Barcelona no esté llena de cadenas de cafeterías, se podrían buscar medidas que faciliten la apertura de proyectos culturales.

— Como las bonificaciones al IBI en el Distrito Cultural de L'Hospitalet.

— Hay muchas medidas que se pueden hacer para potenciar que se abran negocios vinculados a la cultura. Cada vez que cierra un local en la calle, me pregunto cuál será la cadena que abre otra cafetería igual que las del resto.

— Menos cafeterías de franquicia, y más arte y cultura. Pero, ¿por qué? ¿Qué aporta el arte a la ciudad?

— El arte representa conciencia crítica, espacios para pensar libremente, para cuestionarse a uno mismo, para mirar diferente. Potencia la curiosidad, y también el tiempo. Vamos siempre de cabeza, y el arte y la cultura requieren un tiempo, y no nos damos este tiempo muchas veces. En cambio, cuando entras a una exposición tienes que parar, te tienes que dar este tiempo y pensar. Yo creo que ahora estamos en un momento en el que dar este espacio es un privilegio, y creo que es importante que existan y dar esta posibilidad. Lo tenemos que seguir ofreciendo. Aunque la gente no entre.

— Con este ritmo tan acelerado, parar se convierte en una necesidad.

— Yo creo que sí. Vamos totalmente al revés de este ritmo acelerado. Vamos en dirección contraria. Todo va muy deprisa, en las redes, en los videos. Y tú vas a una exposición, y todo se para. Y te tienes que leer un texto, y tienes que mirar, y tienes que pensar. A veces viene gente acostumbrada a este ritmo y dice: ¿Ya está?

— El arte requiere un tiempo para poder profundizar. 

— Hay que dar esta oportunidad y, cuando dejas tiempo y espacio, la gente lo disfruta. Ir en esta dirección es un acto de resistencia que debemos mantener y seguir haciendo.