Hay entrevistas que ocurren en un lugar. Y hay otras en las que el lugar también entrevista. En el restaurante Speakeasy del Dry Martini, entre la penumbra elegante, la madera noble y esa sensación de secreto bien guardado, Jordi Diaz Alamà encaja como si fuera un personaje escrito para la escena: pintor, emprendedor, directivo cultural y rara avis en el mejor sentido. La conversación se mueve como él mismo: entre la ambición y la ironía, entre la disciplina clásica y la necesidad constante de romper moldes. El resultado es el retrato de un artista que no solo quiere pintar, sino empujar siempre un poco más los límites de su propio camino. En el Speakeasy, donde todo parece tener un punto de ritual y de confidencia, Jordi Diaz Alamà habla como pinta: con ambición, intuición y una incomodidad constante ante la repetición.
— Jordi Diaz Alamà: Soy una persona muy afortunada. Muy ambiciosa. Siempre he perseguido mi sueño desde pequeño. Soy muy inconformista y, aunque encuentre una fórmula que funciona —una galería o un estilo—, siempre quiero evolucionar, aprender o simplemente pasármelo bien. Al final, en esta vida tenemos que ser felices y disfrutar de lo que hacemos. Yo soy afortunado porque mi trabajo es mi pasión. Cuando el trabajo se convierte en repetición —hago una serie que funciona y el galerista quiere más—, para mí esa etapa ya ha pasado y quiero pintar otra cosa. Eso también tiene que ver con el hecho de que tengo la escuela detrás. Soy un privilegiado y un poco un “pintor raro”.
— “¿Un pintor raro?”
— Sí, lo soy. Hay un punto contracultural, porque dirijo una academia y también un museo. Es una mezcla difícil de etiquetar. Vengo de un entorno en el que mi padre era emprendedor, una persona de números, y todo eso me ha impregnado. Siempre me ha gustado emprender, pero al mismo tiempo soy creativo y pintor. Con la escuela he unido estas dos pasiones: me gusta liderar, estructurar proyectos y también pintar. Tengo esta doble mirada: la familiar, más empresarial, y la facilidad para las artes plásticas. Curiosamente, si hubiera podido, me habría dedicado a la música. Lo intenté muchos años —todavía tengo el saxofón en el taller—, pero vi que no era mi terreno natural. Y me quedé con la pintura, que evidentemente también me gusta mucho.
— ¿Y cómo descubres que te gusta y comienzas a pintar?
— Eso queda un poco perdido en el tiempo. Cuando eres pequeño, lo detectan los profesores o los padres. Vieron que tenía buen oído y facilidad para el dibujo, y me apuntaron tanto a música como a dibujo. Cuando tomas conciencia, ya hace años que lo haces. Lo bueno es empezar pronto, pero luego te das cuenta de que destacas más en una rama que en la otra. Y tanto en música como en pintura tienes que volcarte por completo: no puedes hacerlo todo bien. Si quieres destacar, tienes que implicarte al 100%.
"Cuando el trabajo se convierte en repetición —hago una serie que funciona y el galerista quiere más—, para mí esa etapa ya ha pasado y quiero pintar otra cosa"
— Incluso con el estilo eres difícil de encajar…
— Soy muy testarudo y muy renacentista. En un contexto donde muchos referentes iban en contra de lo que yo buscaba, costaba mucho decir que eras un pintor tradicional o clásico. Aquí, por motivos también políticos y culturales, el arte ha querido diferenciarse de un modelo más clásico, más vinculado a Madrid. Hemos tenido referentes como Miró o Tàpies que han marcado mucho.
— ¿A qué te refieres con lo de político?
— Barcelona y Madrid siempre han tenido esa voluntad de diferenciarse. Madrid ha representado un emblema más conservador y clásico, y Barcelona uno más moderno y progresista. Confirme iba creciendo, veía que las galerías figurativas y clásicas estaban en Madrid; en Barcelona había pocas. Ahora eso está cambiando, porque también depende de lo que quiere el público. Si la sociedad demanda un arte con más tradición o más “cocina”, el mercado se adapta. Y hoy el mundo es mucho más global: puedes pintar como quieras, que encontrarás mercado aquí o en cualquier otro lugar del mundo.
"Barcelona y Madrid siempre han tenido esa voluntad de diferenciarse. Madrid ha representado un emblema más conservador y clásico, y Barcelona uno más moderno y progresista"
— Tengo la sensación de que hay pintores de tu generación más conocidos aquí, pero que tú, en cambio, tienes más nombre fuera.
— Así es. Primero tienes que triunfar fuera para acabar triunfando aquí. Yo no lo tengo fácil ni por la escuela ni por la pintura clásica, porque en Barcelona ha predominado otro tipo de arte. Ahora noto un acercamiento fuerte hacia esta pintura, pero todavía estamos en camino. Pero tampoco me preocupa demasiado. Yo quiero poder pintar lo que quiera, y si tengo mercado aquí, fantástico; y si no, lo buscaré fuera. Tampoco tengo prisa. De hecho, triunfar demasiado pronto puede ser perjudicial. El éxito debe llegar cuando toca.
— Pero tú puedes considerar que has tenido cierto éxito.
— Sí y no. Soy muy exigente y todavía no me considero satisfecho. Y creo que eso es bueno. En el momento en el que te lo crees demasiado, dejas de aprender. Cuando termino una obra, al cabo de una semana pienso que ya podría haberla hecho mejor. Quizá me exijo demasiado, pero también pienso que eso es lo que me hace avanzar y mejorar. Lo difícil es encontrar el equilibrio: si eres demasiado duro contigo mismo, dejas de disfrutar, y eso se nota en la obra.
— Tú te defines como pintor clásico, pero tu obra ha evolucionado mucho.
— Cuando digo “clásico” hablo sobre todo del estudio de la tradición: dibujo al natural, unas buenas bases, y después pasar a la pintura. Una “cocina” más tradicional. No fui a buscar lenguajes como la performance o el videoarte, sino que me quedé con las Bellas Artes. Cuando estudiaba Bellas Artes, ya era un bicho raro. Incluso los profesores no me animaban hacia los medios tradicionales. Me suspendieron varias veces, pero también tuve matrículas de honor. Todo dependía del criterio del profesor. En una misma asignatura, un profesor podía decirme que tenía un talento innato y el otro suspenderme porque no creía en esa manera de pintar.
— ¿Y cómo lo tomas?
— Al terminar la carrera, entré como profesor de Bellas Artes. Con 23 años daba clases en cuarto curso. Me contrataron porque ya había estudiado un año en Florencia y tenía una base más sólida que la que se trabajaba aquí. Para acceder al doctorado y hacer carrera como docente, tenía que pasar por un máster de pintura. Y allí tuve una muy mala experiencia. El departamento de dibujo era más tradicional; el de pintura, en cambio, no quería ni oír hablar de pintura clásica. Yo entré como pintor figurativo, y me hicieron la vida imposible. Por suerte, hubo una profesora que me dijo: “No les hagas caso, sigue, porque mañana estarás solo y triunfarás”. Y así lo seguí haciendo, fuera de la universidad.
"Picasso rompió todas las normas, sí, pero sabía perfectamente de dónde venía. La academia da herramientas: conocer la “cocina”, el producto, los pigmentos, el lenguaje"
— Y resulta que le hiciste caso.
— Eso me dio mucha confianza. Soy muy testarudo, y además tenía gente a mi alrededor que me confirmaba que iba por el buen camino. La docencia, especialmente en el ámbito artístico, es fundamental que sea constructiva y no busque desanimar ni competir con el estudiante. Debido a este malestar y como no sentía que fuera mi lugar, decidí que en Bellas Artes no quería continuar. Después de eso monté mi propia escuela, la Barcelona Academy of Art.
— Y con 26 años creas la Barcelona Academy of Art que, en poco tiempo, se convierte en un referente mundial donde viene gente de todo el mundo a estudiar contigo.
— Yo soy un poco el alma y quien diseña el programa, pero somos 40 profesores. Cuando la gente ve la academia la vincula con un arte muy clásico, pero si miras mi obra, no lo es del todo: también hago abstracción y experimentación. Lo que yo defiendo es la base que debe tener un estudiante. En música nadie discute que hay que estudiar solfeo y los clásicos antes de hacer jazz. El jazz es saber las normas para poder romperlas. En el arte se ha perdido esa referencia. Hay que tener control y criterio. Picasso rompió todas las normas, sí, pero sabía perfectamente de dónde venía. La academia da herramientas: conocer la “cocina”, el producto, los pigmentos, el lenguaje.
— Y por si no fuera suficiente, también diriges el MEAM, el Museo Europeo de Arte Moderno.
— Lo hago por amor al arte y por deuda con José Manuel Infiesta, que apostó mucho por mí. Cuando falleció, el proyecto quedó cojo y el equipo vino a buscarme. Llevo más de dos años dirigiéndolo a título honorífico. Me gusta pensar exposiciones y tener contacto con artistas, pero lo que yo quiero es pintar.
"Mi objetivo es terminar teniendo un cuadro en el MNAC"
— Pues parece que te estás boicoteando con nuevos proyectos.
— Sí, pero la escuela ya está muy organizada y tengo un equipo que funciona solo. Eso me permite perseguir oportunidades. El sueño del artista es entrar en una galería y vivir de ello, pero yo soy más ambicioso. Muchos galeristas quieren que repitas una línea que a mí acaba aburriéndome. La escuela me da autonomía: me paga las facturas y me permite hacer locuras o proyectos personales que un pintor que dependa solo de la pintura no podría asumir. Por ejemplo, para la iglesia de Vic me encargaron un cuadro de dos metros y yo les dije: “Págadme lo mismo, pero dejadme hacerlo de siete”. Estuve ocho meses produciéndolo. Sin la escuela, eso sería imposible. Lo mismo con la serie de la Divina Comedia, que me ocupó durante cuatro años. Si dependiera solo de una galería, no podría haberla completado. Y al final ha acabado en colecciones y museos importantes.
— ¿Y próximos retos?
— Muchos. Ahora, por ejemplo, acabo de volver de Vietnam. Allí me han encargado un gran mural para el hotel-museo. Es un reto enorme. Pero mi reto siempre es seguir produciendo una serie nueva que tenga éxito. Cada año pido lo mismo: encontrar proyectos y caminos nuevos que me ilusionen y sean más ambiciosos que los del año anterior. Mi objetivo es terminar teniendo un cuadro en el MNAC. Ya tengo obra en museos de todo el mundo, pero que en mi tierra se me reconozca como un artista importante sería muy especial.
“El éxito es un cóctel complicado: talento, constancia, sacrificio, visión empresarial y base artística. El talento cuenta, pero no es lo más importante; el trabajo y la disciplina lo son mucho más”
— ¿Pero cómo se alcanza el éxito?
— El éxito es un cóctel complicado: talento, constancia, sacrificio, visión empresarial y base artística. El talento cuenta, pero no es lo más importante; el trabajo y la disciplina lo son mucho más. He conocido estudiantes más talentosos que yo, pero yo he destacado por trabajo, disciplina e instinto para seguir oportunidades. Y también por ambición. Muchos pintores son buenísimos, pero se conforman; yo quiero más, como reto personal.
— ¿Por ejemplo?
— Ahora me han encargado pintar la botella de whisky más grande del mundo en Vietnam y también un macro-mural para un hotel. Me importa poco el presupuesto: lo que me atrae es la dimensión del reto. Eso me motiva mucho más que repetir el mismo cuadro para una galería. Me gusta mucho trabajar y hacer cosas nuevas. Esta presión me hace avanzar. Ahora mismo empiezo a trabajar con la Tang Contemporary Gallery, una de las galerías más importantes de Asia. El problema es que les gusta una serie que ya no quiero seguir trabajando. La experiencia me ha enseñado a no preocuparme, y a que siempre surgen nuevas oportunidades por aquello que estás haciendo de nuevo. Además, hoy tengo muchas ventas directas fuera de galería gracias a la visibilidad que me dan la escuela y el museo.
— ¿Y tienes la sensación de que siempre tienes que irte fuera?
— No quiero irme fuera tan rápido; me gusta estar vinculado al público de aquí. Aún me queda mucho por hacer y crear para ser plenamente reconocido, pero espero que, con el tiempo, ojalá, se me valore como se ha valorado a otros artistas. De momento, continúo aprendiendo, pasándomelo bien y evitando repetirme. Ya llegará el momento de relajarme; ahora todavía no es el momento.
