Los amantes de la ópera mozartiana que frecuentan el Gran Teatre del Liceu -y melómanos, en general- están de enhorabuena en el presente año, pues además de hacer viable un proyecto absolutamente único en el mundo -una especie de festival, con las tres óperas que Mozart concibió junto a Da Ponte consecutivamente programadas con la trepidante intervención de Mark Minkowski, referente de la interpretación con criterios historicistas- en esta recta final de la temporada se podrá disfrutar de otra de sus creaciones más populares. Una ópera que no destaca, en este caso, por la galantería y finura psicológica, por la ingeniosa gestión de los afectos, sino por un poderoso simbolismo que los estudiosos han vinculado a la ascendencia de la masonería y su propuesta humanística, como ofrecimiento musical -por parte de Mozart- de una forma de sabiduría que enaltece los ideales de libertad e igualdad. La flauta mágica, con sus impactantes imágenes visuales y sonoras, se halla impregnada de un regusto entre mítico y futurista. Esta propuesta intempestiva podrá disfrutarse del 20 de junio al 2 de julio bajo la dirección del reputado maestro Gustavo Dudamel y con la escenificación de David Mc Vicar, que los organizadores tildan de “icónica” y que se acerca al expresionismo de las primeras creaciones cinematográficas, con un guiño evidente a Murnau.

Se trata, pues, de una producción repleta de alicientes, más allá de las calculadamente estridentes arias de la Reina de la Noche: “Cuento infantil para algunos, profunda meditación sobre la vida y la muerte para otros, la ópera de Mozart es una obra referencial, pero también el espacio donde el compositor expresó sus profundas creencias espirituales. Así, en la obra reúne las principales preocupaciones de la Ilustración y del siglo XVIII: educación, moral, religión, cultura, naturaleza...”. Estas líneas de presentación resumen, en efecto algunas de las inquietudes de un compositor maduro, que contra el tópico de su ligereza -a veces justificado, a tenor de sus cartas galantes- demuestra asimismo una profunda implicación con las ideas progresistas de su tiempo. En la puesta en escena del Liceu, que procede de la Royal Opera House, se contará con figuras capitales de la interpretación vocal, con el protagonismo de Javier Camarena en el papel de Tamino y de Matthias Goerne -que habrá acabado pocas semanas antes su participación protagonista en el Wozzeck- aquí como narrador de lujo; mientras que en el elenco femenino destacan las Reina de la noche de Kathryn Lewek y Pamina de Lucy Crow, que alternarán sus intervenciones con dos de las voces locales más potentes, con recorrido asimismo internacional. Pensamos en Sara Blanc y Nuria Rial, respectivamente. Dos jóvenes sopranos que certifican la calidad de las nuevas hornadas de artistas. En este sentido, casualmente el 18 de junio podrá verse una versión escenificada de La flauta mágica en el Palau de la Música -y luego, asimismo, el 27 de agosto- que cuenta con la participación de Sara Bañeras en el papel de Papagena a quien entrevistamos hace unos meses, en ocasión de su estreno en el Gran Teatre del Liceu, como parte del elenco de Rigoletto.

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El Festival Mozart Nits d’Estiu se compone de tres conciertos organizados por l’Auditori, en que se invita a solistas de renombre mundial que interactuarán junto a la OBC para interpretar obras del genio de Salzburgo salzburgués, o creadas en las cercanías de su contexto. El primero de ellos -el que aquí se recomienda, pues los otros dos tendrán lugar ya entrado el mes de julio- contará con la participación del violonchelista Kian Soltani, que atacará uno de los dos conciertos que Haydn compuso para su instrumento.

Curiosamente, Mozart, que bien se dejó influir por él en cuanto a la composición para cuarteto de cuerda, no compuso nunca un concierto para violonchelo, con lo que siempre quedará la incertidumbre de cómo hubiera sido su tratamiento concertante. Algunas arias de ópera cuentan con su inclusión como protagonista -obbligato, según el tecnicismo- así por ejemplo la segunda que le canta Zerlina a Masetto en Don Giovanni, lo cual permite hacerse una idea remota de cómo podría haber sonado. Como si aún estuviéramos en el mundo de la fantasía, no deja de sorprender -aunque en este caso, de manera fehaciente- la composición de la Sinfonía núm. 25 en sol menor a los 17 años. Un alarde de expresividad prerromántica que trasciende con mucho el dramatismo Sturm und Drang a que Haydn por ejemplo había dedicado una serie de composiciones sinfónicas. La otra obra para orquesta programada en el concierto mozartiano del Auditori -la Sinfonía 38, “Praga”- es, en cambio, una obra compuesta en su época de madurez. Se trata de un homenaje a la ciudad que acogió y admiró el estreno de la ópera más influyente en el romanticismo -arriba mencionada-, el Don Giovanni. Los tintes lúgubres y aristocráticos aparecen en esta imponente composición, en que la galantería se celebra mostrando de forma expansiva y arrebatadora su carácter crepuscular. El concierto dedicado a Mozart no se halla alejado en tiempo de un evento coral también en el Auditori -con la Orquestra Terrassa 48, solistas locales de calidad contrastada, y un conjunto coral formado por los 350 cantantes de l’Associació Messies Participatiu i el Coro Bruckner- básicamente mozartiano, que no en vano ha sido titulado “La plenitud de Mozart”. Además de la Misa de la Coronación, se podrán escuchar pasajes de sus Vesperae solennes de confessore, y otras obras menos célebres, que en cualquier caso ilustran su maestría en la composición de piezas religiosas. Todo ello, en un concierto que los organizadores destacan por “la espectacularidad de las voces y la conjunción de cantantes aficionados y profesionales”.

El arte de la improvisación, poco cultivado en el mundo de la clásica en la actualidad -siendo su campo predilecto, todavía, el jazz- refulge con una atemporalidad deslumbrante en las intervenciones del organista Juan de la Rubia y del pianista Marco Mezquida; en un evento titulado Bach & Forward, para mostrar precisamente la infinidad de posibilidades que abre este maestro barroco.

Intérpretes eclécticos, o cuanto menos de intereses transversales y una apertura de miras nada frecuente, que volverán a participar de la retroalimentación, de la mutua inspiración musical, estimulada con creces por la impredecible y aun así concordante proliferación cromática del videoarte de Alba G. Corral. Una fórmula que el año pasado, aún con la reducción de aforo, despertó la admiración del público reunido en el Palau, y que en su reedición mostrará vericuetos armónicos y visuales inevitablemente nuevos. Las paredes del templo modernistas, con figuras que emergen con gracilidad o imponentes, son el soporte idóneo para proyectar luces y hacer reverberar la libre fluctuación de notas desde los teclados de Mezquida y de la Rubia. Fragmentos de colores concertados de forma espontánea componen ese caleidoscopio preciosista, una recreación abstracta y naturalista de la realidad sensible que nos traslada al corazón del lugar que, quizá sin saberlo, habitamos.

La época en que más se habla de crecimiento personal, de la necesidad de realizar un trabajo interior, es también la época en que más cuidado y atención se presta a la realidad exterior -epidérmica- de la persona, de forma no forzosamente contradictoria, sino más bien sintomática. La voluntad de autodefinirse se exhibe discreta u ostensivamente en tatuajes, con significaciones profundas o decorativas, en cualquier caso enraizados en la personalidad del portador. La piel, el límite físico con la realidad compartida, es la superficie en que se graban formas y colores con poder simbólico; marcas escogidas artificiosamente que conectan y separan, que dan la bienvenida a un mundo nuevo o certifican su irrevocable otredad. En un sentido amplio, y en ocasiones de forma pragmática, el tatuaje ha desempeñado a lo largo de la historia una función social -en no pocos casos ritual- que la exposición de Caixaforum ilustra con una profusión encomiable. La expresión “Arte bajo la piel” da a entender toda esa serie de repercusiones calladas, las connotaciones que en cada caso acompañan a la práctica de tatuar y ser tatuado, un arte que “ha dado lugar a intercambios entre países, culturas y sociedades y se ha convertido en un fenómeno global en la presente creación artística del presente”. Señalando la etimología polinesia que subyace a la palabra “tatuaje”, la muestra, que reúne más de 240 obras, se remonta asimismo a los orígenes de este fenómeno. Los organizadores precisan que, “además de la historia del tatuaje y sus raíces antropológicas, la exposición destaca el gesto del artista, los intercambios internacionales entre tatuadores y la aparición de estilos sincréticos”.

Y es que la globalidad del fenómeno ha dado pie a una interesante red, con influencias cruzadas. No deja de sorprender, de nuevo, que, en el mundo de la galopante digitalización -con la frenética multiplicación de simulacros acerca de la propia persona y la quimera del metaverso al alcance de la mano- el soporte más inmediatamente material, la piel, busque colonizarse a placer o de forma compulsiva, quien sabe si para echar el ancla y encontrar compensación o arraigo ante la evanescencia de lo real.

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La Fundació Vila Casas exhibe una selección de los 400 tapetes que artistas de todo signo elaboraron como muestra de solidaridad con Picasso, a raíz de los ataques que sufrieron algunas de las entidades que habían conmemorado su 90 aniversario, en 1971. Recuerdan los organizadores la destrucción

de los grabados de la “Suite Vollard”, que la galería Theo de Madrid exponía, así como el incendio de la galería Taller de Picasso de Barcelona y los atentados contra librerías que, como Antonio Machado, Visor o Cinc d’Oros, homenajeaban al pintor. Fue idea del joven galerista Santiago Palet el realizar ese proyecto conjunto -serie recientemente adquirida por la Fundació- a modo de “desagravio al pintor: artistas visuales, músicos, escritores, gente del cine y del teatro fueron invitados a crear un tapete –una pieza de algodón con una puntilla– dedicado a Picasso”. Un año después, en 1972, el resultado se expuso en Vallauris, en un evento titulado 1er. Rencontre International d’Hommage à Picasso. La exposición de la Fundació Vila Casas, comisariada por Nadia Hernández, ofrece una muestra de la creatividad de artistas y autores de renombre internacional, como por ejemplo Rafael Alberti, Joan Brossa, Alexander Calder, Pau Casals, Equipo Crónica, Sonia Delaunay, Juan Genovés, Hans Hartung, Wilfredo Lam, Joan Miró, Pablo Neruda y Antoni Tàpies, entre muchos otros.

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