Un año más, la confluencia de espectáculos que se pueden disfrutar bajo el sello de calidad que garantiza la marca GREC se antoja realmente impactante. Aun no pudiendo entrar con exhaustividad en el detalle de los criterios que nos mueven a recomendar una selección en el marco de este macro-festival cultural centrado en las artes escénicas, y asumiendo la posibilidad de omisiones difícilmente justificables, mencionaremos algunas muestras significativas de la presente edición, desplegadas en su mayoría a lo largo de julio. De hecho, a finales del mes anterior vale la pena recomendar la visita de la Nederlands Dans Theater en el Teatre Grec, los días 29 y 30, con tres coreografías diferentes, una de las cuales obra de Marina Mascarell. Todavía en el ámbito de la danza -una de las artes más presentes en este festival- parece obligada la mención al espectáculo que protagonizará Israel Galván junto a L’Escolania de Montserrat en el Mercat de les Flors, los días 2 y 3 de julio, y que los organizadores describen de este modo: “El paisaje visual y sonoro de Sevilla se convierte en movimiento en un solo de danza que se ofrece en calidad de estreno mundial y que alude a la inocencia infantil a partir del llamado «Baile de los Seises» y de las voces de la Escolanía de Montserrat”. Aunque muy distinto en formato, estilo y propósito artístico, durante los primeros días de julio se podrá asistir a la puesta en escena de una obra de teatro capital, ubicada asimismo en Sevilla, e inspiradora de tantas otras versiones del mito del seductor: El burlador de Sevilla de Tirso de Molina, en una versión intensa y adaptada a los debates actuales, por parte de la Compañía Nacional de Teatro Clásico y con la dirección de Xavier Albertí, en el escenario del Teatre Grec los días 3 y 4 de julio.

Otras obras clásicas, en estos primeros días, que merece la pena tomar en consideración son: Ein Volksfeind (Un enemic del poble) de Henrik Ibsen, en el Teatre Lliure de Montjuic; el Tartufo de Molière, en el Teatre Goya, con la llamativa y versátil intervención de Pepe Viyuela en el papel protagonista; o, por supuesto, el atrevido Hamlet que se ofrece en la sala Tallers el Teatre Nacional de Catalunya, con una puesta en escena y dirección de Chela de Ferrari, que adapta la célebre obra : “¿Cuáles son los sueños y frustraciones de una persona con síndrome de Down? Ellas mismas nos lo cuentan”. Chela De Ferrari utiliza el ser o no ser “para interrogarse y para interrogar al público sobre las personas con síndrome de Down y sobre el papel que deben tener en nuestra sociedad”. Otra propuesta teatral de gran interés, que eventualmente podría sacudir al espectador y que se representará del día 7 al 10 de julio, es la que lleva por título Aquellas que no deben morir. Creada por el colectivo escénico Las Huecas, “apuesta por la estética del distanciamiento y explora con espíritu crítico las estructuras sociales y políticas que regulan la muerte”. En cuanto a las propuestas musicales, de entre los muchos espectáculos que llaman la atención, cabe destacar Bach to the Future 1.0, el día 6 de julio, en que la música de Johann Sebastian Bach y la inteligencia artificial se retroalimentan desde “la colisión”, por emplear el término que usan los organizadores. Una propuesta de la Cia. Rau, compuesta por el pianista Carles Marigó i Jaume Sangrà, una “compañía de creación especializada en el desarrollo de proyectos artísticos en los que la poética de la música y el teatro físico se relacionan aportando una mirada particular y crítica de la realidad”. Diametralmente distante en términos artísticos, pero aún impactante para muchos, es la Misa de Réquiem de Wolfgang A. Mozart, que se ha incorporado al cartel de espectáculos programados en la presente edición del Grec, el día 15 de julio. Con la participación del Orfeó Català, bajo la dirección magistral de Simon Halsey, podrá escucharse esa obra inmortal en el Palau de la Música con una escenificación de Pere Faura. De temática comparable, el Stabat Mater de Pergolesi, en este caso interpretado por el Cor de noies de l’Orfeó Català el día 18 de julio con la dirección del especialista en música antigua Dani Espasa, es otras de las obras clásicas que más vívidamente alcanzan el ánimo del oyente. Volviendo de nuevo a una propuesta limítrofe, que trastoca el sentido mismo de lo musical desde la creación de ritmos y sonoridades inauditas, la propuesta de Frames y Albert Quesada titulada Desert sin duda captará la atención -y quizá despertará fascinación- del público, los días 16 y 17: “Danza y música, en una experiencia de sonido inmersivo que reúne unos instrumentos poco habituales, un coreógrafo joven de trayectoria internacional y un grupo de percusión dedicado al repertorio de nueva creación”. Un par de recomendaciones más, de distinto signo. Por una parte, la proyección del remake de West Side Story que realizó en 2021 Steven Spielberg podrá disfrutarse al aire libre, en el Castell de Montjuïc “la sala de proyecciones más fresca”, después de haber asisto al concierto de LaKolmena, conjunto de percusionistas que imprimen ritmos trepidantes, un espectáculo “dinámico y festivo, atravesado por estilos musicales diversos”. Por otro lado, en la última semana de julio son varios los espectáculos de Flamenco organizados en el patio de la sede del Distrito de Nou Barris, convertido “en un escenario dedicado al flamenco para acoger un festival creado en el año 2000 y que actualmente gestiona la asociación barcelonesa El Dorado”. El día 23, en este sentido, actuarán las artistas Vanesa Aibar y María Marín, presentando Certidumbres, “un espectáculo protagonizado por una bailaora y creadora de Jaén que parte del flamenco y la danza española para crear una danza moderna y libre”. En este mismo espacio actuarán, en días siguientes, artistas como Alba Carmona, Javier Colina, Pepe Habichuela, Andrés Marín, José Valencia o Raúl Cantizano, entre otros. Finalmente, no podemos evitar recomendar la representación del Paraíso perdido de John Milton. Un clásico de 1667 que, en la versión de Helena Tornero, y con dirección de Andrés Lima, habilitará una experiencia de alta intensidad emocional para quienes se acerquen al Teatre Grec los días 26 o 27 de julio. La dramaturga Helena Tornero explica que “quería ofrecer al público la oportunidad de sentirse parte de la representación, viajando al lugar del otro mediante las palabras de Milton y descubriendo, así, qué parte hay en cada uno de nosotros de ángel, diablo, hombre, mujer, comediante o espectador”.

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Tras el pistoletazo de salida, el día 30 de junio -una jornada inaugural protagonizada por el violonchelista Kian Soltani y la directora Stephanie Childress-, la segunda fecha del Festival Mozart Nits d’Estiu tendrá lugar en la sala grande de l’Auditori, con la presencia de una artista

de primerísimo nivel. Pensamos en la violinista Nicola Benedetti, que interpretará el Concierto para violín núm. 3 de Wolfgang A. Mozart. Una obra de periodo medio, compuesta en su juventud, que evidencia el equilibrio clásico y su habilidad por crear melodías dotadas de una espontaneidad inexplicable. El refinamiento y la pulcritud conviven con esa libertad expresiva, que, aun alejada del romanticismo, dará pie a una concepción del arte mucho más subjetiva, comprometida con la sacudida emocional y la promoción de afectos que marcan a fuego la conciencia del oyente. En este caso es Beethoven el invitado de honor, en este Festival mozartiano. La programación de su Sinfonía núm. 4 en si bemol evidencia precisamente la consecución de una revolución expresiva -por él protagonizado, del lado del XIX, igual que Mozart había completado el tramo hasta aquella reforma estética del lado del XVIII. Una sinfonía impecable formalmente, pero que incorpora la agitación en un sentido casi ontológico, pasando del orden al caos y del caos al orden. Antes de llegar a ese momento, de trepidante intensidad sonora, la Orquestra de Barcelona i Nacional de Catalunya dirigida por Lionel Bringuier habrá interpretado, a modo de introducción, una composición mozartiana reservada a las secciones de cuerdas. Una obra con una intrahistoria particular, que refleja el modus operandi del compositor, como explican los organizadores: “Mozart escribió su Adagio y fuga para cuerdas a partir de una fuga para dos pianos de 1783 a la que añadió un adagio. Una partitura que nos descubre las claves de una época dominada por la textura contrapuntística, como sucede en sus cuartetos de cuerda coetáneos, y que será determinante en su obra tardía”. La influencia de Bach, aunque lejana en el tiempo -y no especialmente cercana a su talante como creador- queda de manifiesto en esa pieza, incluso si -como decíamos- el salzburgués tenderá a poner en juego medios expresivos bien distintos a los del Kantor de Leipzig. En este sentido, la tercera jornada del Festival Mozart, que tendrá lugar en el Palau de la Música, contará con la estelar participación de la soprano Julia Lezhneva, quien mostrará su habilidad para la expresión de afectos a través del canto con una célebre aria de La clemenza di Tito, "Parto, ma tu ben mio", o con la emotiva pieza con piano obbligato “Ch'io mi scordi di te? - Non temer, amato bene”, Kv 505. Antes, y para plasmar el contraste con la praxis de otros creadores anteriores a Mozart, en el marco de su mismo siglo, podrán escucharse arias de Gluck tan memorables como “Che faro senza Euridice”, así como la obertura de su ballet Don Juan, que dialogará desde la distancia con la obertura de la última ópera que Mozart compuso. Bajo la dirección de Dani Espasa, especialista en la interpretación con criterios históricos, al frente de la OBC, este evento supondrá la culminación y clausura del Festival Mozart.

Una ocasión única para descubrir, en dos fechas consecutivas -los días 9 y 10 de julio- el talento de cuatro jóvenes compositores: José Río-Pareja, Fabián Santcovsky, Marco Migó y Núria Giménez-Comas son los

nombres de los creadores de las micro-óperas, de 30 minutos cada una, que podrán disfrutarse en diversos escenarios del Gran Teatre de Liceu -la Sala Foyer, la Sala de los Espejos o el Teatrino- proponiendo un recorrido que abundará a la experiencia inmersiva, a su vez facilitada por los medios puestos en juego. Es llamativo por ejemplo el caso de The Fox Sisters, obra de Marc Migó, inspirada por la historia de las fundadoras del movimiento espiritista. Para realzar la trama, esta ópera de cámara está escrita para soprano, mezzo, barítono y un trío de cuerdas particularmente oscuro (violín, violonchelo y contrabajo), amplificado y conectado a un sistema de altavoces que rodea a toda la audiencia con la finalidad de crear un efecto envolvente: el drama no sucede solo en el escenario sino en todo el espacio. Se abordan y se desarrollan entrelazadas cuestiones como la posverdad, el intercambio de máscaras y el feminismo. El proyecto en que se enmarca esta ópera -ÒH!PERA (Microòperes de Nova Creació)- ha sido posible gracias a la colaboración con la Concejalía de Turismo e Industrias Creatives del Ayuntamiento de Barcelona, el Disseny Hub Barcelona y las escuelas de diseño de la ciudad (BAU, Elisava, Herramienta, Massana) para fomentar el aprendizaje a través de la práctica. Àlex Ollé, que ha participado en algunas de las puestas en escena más impactantes del Liceu, en las últimas temporadas, ejercerá de mentor de estos jóvenes compositores. Vinculados todos ellos de un modo u otro a la ciudad de Barcelona, son los responsables de escoger a sus libretistas -destacan por ejemplo los nombres de Elfriede Jelinek o Juan Mayorga para las óperas Shadow. Eurydice Says o Entre los árboles, respectivamente-, a sus directores de escena y musicales, contando con el apoyo de aquellas escuelas de teatro, diseño y artes aplicadas para realizar sus montajes. Los diferentes actores que convergen en el proyecto hacen posible esa “primera oportunidad en el Liceu para los creadores del futuro”.

La Fundació Vila Casas recupera en su sede de los Espais Volart la obra de Guillem Viladot (1922-1999), un artista inquieto como pocos. Farmacéutico de profesión en Agramunt, durante su tiempo libre se empeñó en ensayar nuevas maneras de trasladar interrogantes con un lenguaje artístico personalísimo que fascina por la

constancia y variedad de su búsqueda. El título de la muestra comisariada por Pau Minguet -Guillem Viladot. La experimentación incesante- pone de relieve ese rasgo, que ilustra maravillosamente una de sus piezas más llamativas: un engendro mecánico de aspas, tipo ventilador, implementado con sutiles plumas de pájaro. Pero no todo son instalaciones, su obra es tan variada como abierta su creatividad, en lo que respecta al soporte físico. La acumulación de artefactos, en cualquier caso, le llevó a crear un museo “con todas las obras que iba produciendo -destacan desde la Fundació Vila Casas-, resultado del objeto encontrado y del ensamblaje”. Muchos de los elementos son piezas de máquinas o restos de algún ser vivo, a los que otorga un sentido nuevo, en su imaginativa vinculación. Precisamente porque no renuncia a sus orígenes, “Viladot nos invita a huir de las concepciones románticas o incluso condescendientes sobre el mundo rural”. Destacan los organizadores algunos de los momentos más importantes de su trayectoria expositiva, como la exposición de 1980 en la Galería Maeght, por ejemplo. Lejos de ser un “excéntrico”, insisten los organizadores en el conocimiento que tenía de las tendencias creativas de la época. Así, “reivindicar la figura de Viladot es destacar que, desde la periferia geográfica, desde un pueblo agrícola de la comarca de Urgell, se podía estar al corriente de las experimentaciones artísticas más radicales. Se las apropió y las transformó sin por ello dejar de lado sus raíces”.

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