Daniel Anglès es actor, cantante, director teatral y artístico, el alma que hay detrás de la próxima producción en el Teatre Condal: Germans de Sang. Una obra bastante conocida por el público barcelonés, a la vez nueva y de toda la vida, uno de esos musicales infalibles por la fuerza de su argumento y por el efecto espejo que provoca.
Anglès nos habla de esta obra pero también de su carrera, vinculada íntimamente a Barcelona y al teatro musical. Aunque él confiesa que le gustaría hacer un programa de radio.
--- Vienes de una larga trayectoria de musicales, de programas televisivos, de interpretar a personajes diversos y de dirigir formatos muy diferentes... dentro de este repertorio, ¿qué significa para ti Germans de Sang?
--- Primero, desde el punto de vista personal, Germans de Sang es el primer musical para adultos en el que trabajé como intérprete. Y lo vi como espectador en el año 94 cuando se estrenó, en la temporada 94-95. Entonces, cuando el espectáculo salió de gira por Catalunya, un actor de la compañía lo dejó y yo entré a sustituirlo. Por lo tanto, Germans de Sang lo he podido ver desde fuera y desde dentro. Cumplí los 19 años durante aquel proceso.
--- Y a partir de ahí...
--- Como algo que yo observé y admiré desde fuera, después pude pensar en formar parte de ello y actuar junto a gente a la que admiraba y admiro muchísimo. Ese vínculo personal tenía que destacarlo. Después, como profesional, reconozco todas sus virtudes como pieza de teatro musical, de teatro social y de verdadero clásico.
--- Trata temas que siguen siendo muy vigentes.
--- Por eso creo que merece el calificativo de clásico: hay espectáculos antiguos que no son clásicos. Germans de Sang tiene esa capacidad de trascender tiempo y espacio por lo que explica. Creo que es una pieza muy bien escrita y que en Catalunya tiene un vínculo especial con el público por lo que significó en su momento. Ahora se trata de llevar algo que el público, o gran parte de él, conoce y sitúa en algún lugar de su memoria, y eso también implica un montón de cosas.
--- Pero no es lo mismo hacerlo en el 94 que ahora.
--- No, ha cambiado todo. Ha cambiado todo. Bueno, y en muchos aspectos no ha cambiado nada. El espectáculo plantea una pregunta eterna: nuestra vida, ¿por qué es como es? ¿Por qué está escrita en algún sitio y está determinada por una fuerza superior que no controlamos, como el lugar donde nacemos, la clase social, etcétera? ¿O por qué podemos intervenir pese a todo esto?
--- Por eso son gemelos: iguales y antagónicos.
--- Exacto. Es la historia de dos hermanos gemelos cuya madre no puede quedarse con los dos y entrega a uno a una familia acomodada. ¿Cuán diferentes son las vidas de estos dos hermanos? Si hubiese sido al revés, si el gemelo que hubiera ido con la familia acomodada fuera el otro, ¿la historia sería igual? ¿O bien la personalidad de cada uno también habría influido? No tiene una respuesta taxativa.
--- Las circunstancias nos condicionan, o las condicionamos nosotros.
--- Lo tenemos más fácil o más difícil según dónde nazcamos, eso está claro. Creo que en los momentos que estamos viviendo ahora, cuando vemos lo que pasa en tantos países del mundo, con tantos conflictos, todos tenemos claro que somos afortunados de vivir en el país en el que vivimos.
--- Y, por tanto, eso no ha cambiado.
--- Eso no ha cambiado, pero sí ha cambiado cómo se cuentan las historias, cómo se reciben... Todo eso ha cambiado. El autor, Willy Russell, cuando estrena el espectáculo a finales de los 80 tenía una voluntad de modernidad. Quería que aquel espectáculo fuera contemporáneo. Y una de las decisiones que hemos tomado es intentar mantener esta contemporaneidad, mantener la cultura actual para que el público de hoy lo siga recibiendo como algo que conecta con el presente. Esta es una de las cosas que hace que no sea una reposición, sino una nueva versión del espectáculo.
--- ¿Qué cambios destacarías?
--- Evidentemente, el reparto es diferente, pero esa no es la pieza clave. Estos mismos intérpretes podrían hacer la versión antigua del espectáculo. El cambio es más estético: hemos buscado la abstracción, situar a los personajes en un entorno que no sea una reproducción exacta de su mundo. Creo mucho en eso. Pienso que el audiovisual suele reproducir los lugares donde viven los personajes, pero uno de los poderes del teatro es que puede sugerir los espacios. La imaginación del espectador, igual que cuando lees un libro, hace el resto. Y es mejor y más poderosa que lo que puedas mostrar físicamente.
--- ¿Qué más?
--- Primero, esta abstracción, esta contemporaneidad, esta invitación a imaginar con poco. Después, hemos rehecho todos los arreglos musicales. Las canciones son las mismas y el público las reconocerá, pero todo está completamente arreglado de nuevo por nosotros. La manera de utilizar los instrumentos, los electrónicos por ejemplo... En la versión original, el narrador era un rocker de los 80. Pero la música moderna de hoy es otra cosa, está más cerca del rap, del hip hop.
--- ¿Y el texto aguanta, entonces?
--- Claro, pero también hacemos un trabajo importante de revisión de valores y de lecturas que hacemos sobre los temas de la obra. Ahora hay una sensibilidad que no teníamos hace 30 años, y que también hemos trabajado muchísimo, y que hace que los personajes sean más humanos. Creo que esta es una función de buenas personas.
--- ¿De buenas personas?
--- El punto de partida de todos los personajes es su realidad personal, pero no hay un bueno y un malo por naturaleza o de entrada. En determinadas circunstancias pueden hacer cosas mirando por ellos, o por lo que sienten, que pueden perjudicar a otros... pero no tienen un bien o un mal predeterminado. Toman decisiones correctas o erróneas, pero es importante que todos los intérpretes puedan entender por qué su personaje hace lo que hace.
--- ¿Y la coreografía?
--- Una aportación muy importante, evidentemente, es el trabajo que estamos haciendo con Ariadna Peya. Germans de Sang es una pieza que normalmente ha tenido muy poca presencia coreográfica; de hecho, en la producción original del 94 en Barcelona, Coco Comin estructuró los dos números más coreográficos hasta dejarlos preciosos. Pero aquí quería que el trabajo físico formara parte de la dramaturgia, poner en escena lo que rodea a los personajes, que en la función original no está. Poner en escena esa presión social y ese entorno de los protagonistas, y también plasmar ese mal augurio, esa superstición, ese destino aparentemente inevitable. Ese es el trabajo coreográfico que Ariadna Peya está haciendo con toda la compañía. Eso los condiciona, los presiona, da una potencia, una cantidad de decibelios emocionales a la historia que creo que es muy impactante.
--- ¿Y a nivel tecnológico?
--- Nos hemos atrevido con un sistema llamado SACTRAC, un sistema de seguimiento de los actores en escena que los posiciona y envía información tanto a sonido como a iluminación, para hacer que la experiencia sea aún más fina, más precisa, más quirúrgica a nivel técnico.
"El teatro musical en Catalunya está hoy mejor que ayer y peor que mañana"--- ¿Y tú? Además de no parar: miras atrás, ¿y qué ves?
--- He tenido la suerte de tocar muchas teclas, siempre hay muchas cosas diferentes que me gusta hacer. Me apasiona la pedagogía y la docencia, tengo una escuela que dirijo, me encanta dar clases... Me gusta dirigir teatro; hasta ahora he dirigido mucho musical, pero también estoy empezando a dirigir teatro de texto, que es algo que he tardado mucho tiempo en empezar a hacer y que me entusiasma... Pero también me gusta mucho actuar, me encanta cantar, me apasiona cantar. Estar encima del escenario es algo que intento hacer siempre que puedo.
--- Y la televisión.
--- Mira: sí, la televisión, y Eufòria, por supuesto... pero te confieso algo que no he dicho nunca: mi gran pasión es la radio.
--- ¿Cómo?
--- Lo que me gustaría hacer es un programa de radio. He estado en Catalunya Cultura, en Catalunya Ràdio, llegué a hacer un magacín diario de 4 horas de lunes a viernes, Òmnibus. Y ahora llevo cuatro temporadas colaborando con Toni Clapés, que para mí es el mejor programa de radio de la historia. El mundo de la radio me fascina, soy un gran oyente, es un medio en el que todo adquiere una dimensión enorme. En el teatro hay mucho equipo, pero todos están allí, en un solo lugar, y la televisión es como un monstruo con vida propia. Me siento muy afortunado por las experiencias que he tenido, porque siempre he estado en el mundo del talento. He estado en Operación Triunfo, fui jurado en Oh Happy Day, que para mí era una prolongación de mi trabajo como director de casting... Y cuando apareció Eufòria ya era otra cosa: se trataba de poner en escena las canciones de una manera diferente, con una personalidad diferente; como director artístico fui muy feliz (aunque era muy absorbente). Ahora bien: no lo dejaría todo por la tele, pero sí lo dejaría todo por la radio.
--- ¿Y el papel de intérprete?
--- No lo quiero perder de ninguna manera, claro: porque como director artístico disfruto mucho, pero también está bien que de vez en cuando te dirijan y te digan qué tienes que hacer. Aunque sea lo que para mí supone un mayor esfuerzo a nivel emocional y energético. Mi alma está más expuesta.
--- ¿Cómo ves el panorama del teatro musical en Barcelona o en Catalunya?
--- El teatro musical en Catalunya está hoy mejor que ayer y peor que mañana. Hemos hecho más, hemos vivido más y, por lo tanto, el público sabe más. Los periodistas saben más, los profesionales sabemos más y hemos aprendido de lo que ha funcionado y de lo que no. Mi visión siempre es optimista de cara al futuro. Sí me preocupa un poco el tema del idioma: tenemos un problema con el uso natural de nuestra lengua y tenemos que incorporar a toda una población que no se siente lo suficientemente interpelada. Desde el Grup Focus hemos sido muy contundentes con eso. De hecho, Golfus de Roma fue un punto de inflexión para mucha gente: se puede hacer bien, en grande, con calidad y en catalán.
--- Nos vemos en Germans de Sang, entonces.
--- Y recuerda que la obra empieza con spoiler: están los dos muertos, y sin embargo te pasas toda la obra deseando que no les pase nada. Esa es la fuerza del teatro, y sobre todo de un buen texto. ¿El destino? El destino lo hacemos nosotros, está claro. El tuyo, el mío y el de todos. La historia que explicamos no os la damos acabada, por mucho que lo parezca: tenéis que vivirla, y vuestra imaginación la completa. Es lo que decíamos: todo es igual que antes, y todo es completamente diferente.