Parece difícil concebir un mes más repleto de conciertos, como los que se celebrarán en la Philarmonie de París. Comenzando por un evento que protagonizará el joven Lucas Débargue, un prodigio del piano que destaca por la brillantez del sonido, redondo y perfectamente pulcro. En el recital día 3 de abril su praxis interpretativa se pondrá en juego con obras de Mozart, Chopin y Alkan, permitiendo a los asistentes disfrutar con una clarividencia sumamente inusual. No menos destacable es el concierto que, en varias sesiones -el 4 y 5 de abril-, rinde homenaje a Keith Jarret, cuyo mítico The Köln Concert se halla en la memoria sonora de diferentes generaciones de amantes de la música. Dos pianistas, procedentes de ámbitos musicales diferentes –Thomas Enhco y Maki Namekawa– recrean “la increíble luminosidad de aquella música en libertad, entre el jazz y la clásica”. El 24 de enero de 1975, de gira por Europa, Keith Jarrett se detuvo en la Ópera de Colonia. Los organizadores recuerdan que, “muy cansado, con dolor de espalda, hubo de tocar con el piano en mal estado que se puso a su disposición. Resultado: un concierto mágico, enteramente improvisado, durante el cual fluirá una música refinada impulsada por un intenso fervor”. Saltando al género de la música sinfónica, los días 6 y 7 de abril el aclamado director Herbert Blomstedt se pondrá al frente de la Orchestre de París para interpretar dos sinfonías de Franz Schubert, concretamente el alfa y el omega de su producción, culminada por una sinfonías cuyo popular apelativo -“La Grande”- explicita su real trascendencia, a raíz de la cantidad de recursos concertados para el desarrollo de melodías mayestáticas y memorables.

Desde la Philarmonie se refieren a este concierto en los términos siguientes: “Es un inmenso libro sinfónico que se abre y se cierra con este programa, donde la prodigalidad melódica de Schubert, ofreciendo alturas de emoción, es recogida y luego compartida por un mítico director". Si en la primera obra, compuesta por Schubert a los 16 años, se aprecia la influencia de Mozart y Haydn -en aquella época aún estudiaba con Salieri-, su madurez compositiva se aprecia “en el otro extremo del camino”: la Sinfonía núm. 9, que, lamentablemente, Schubert nunca pudo escuchar en vida. Con sus cuatro movimientos, incluido un Finale que es uno de los más extensos del repertorio, despliega la infinita prodigalidad de sus ideas y climas, llevados por un sentido del drama compuesto por paroxismos, silencios y modulaciones inéditas. Un eco del "Himno a la Alegría" de Beethoven suena incluso en esta partitura que, por su perfección, rinde homenaje a todo el arte sinfónico. Si pensamos en partituras de esta importancia, con un vuelo o trascendencia prácticamente inigualados, no podemos dejar de mencionar la programación, unos días antes, de la Pasión según san Mateo de Johann Sebastian Bach en la interpretación que ofrecerá un experto en música antigua como Christophe Rousset, al frente de Les Talens Lyriques. Será el día 4 de abril, sólo unos pocos días después de la versión que la Freiburger Barockorchester ofrecerá en el Palau de la Música Catalana bajo la dirección de Lionel Meunier. Más nombres de primerísimo nivel se dan cita en la Philarmonie durante el presente mes, así por ejemplo la visita del actual director musical de la Opéra de París, Gustavo Dudamel, que interpretará una pieza -Un sourire- de Messiaen, una sinfonía de Haydn, Ma mère el’Oye de Ravel y la imponente suite de El caballero de la rosa, de Richard Strauss. Un programa de gran atractivo, asimismo, será el que presente la incomparable dupla de músicos y amigos formada por Daniel Barenboim y Martha Argerich: “gran invitado de la Bienal Pierre Boulez, Daniel Barenboim, al frente de la Staatskapelle de Berlín, encara el Livre pour cordes [de Boulez] en el marco de una herencia inesperada: la de Héctor Berlioz y Franz Liszt, cuyo primer concierto para piano Martha Argerich interpretará”. Las páginas “ferozmente radicales” de la partitura de Boulez se hacen eco de otras propuestas de alta intensidad: la de la Sinfonía Fantástica de Berlioz y el Concierto para piano n.º 1 de Liszt, concierto compuesto para la dirección del primero, mientras que el segundo -Liszt- ocupaba la parte solista. Recuerdan desde la Philarmonie que fueron aquellos “dos compositores cuya amistad, hecha de colaboración artística y emulación mutua, anticipa la que mantendrán mucho más tarde Daniel Barenboim y Pierre Boulez”. No podemos evitar recomendar, asimismo, un concierto como el protagonizado por las cantantes Véronique Gens y Lea Desandre, “dos personalidades musicales que parecen responderse, de generación en generación. Dos destinos, unidos por lazos de confianza y amistad, y marcados por el encuentro de un mismo mentor, William Christie”. Titulado Gluck et ses contemporains, coinciden ambas en un evento profundamente arraigado en la creación vocal del s. XVIII, que alcanza el cénit con la producción operística de Wolfgang A. Mozart. Así, podrán escucharse piezas del autor de Orfeo ed Euridice -sobre todo de sus óperas Armide, Alceste o Paride ed Elena- pero también pasajes del creador del Idomeneo o La clemenza di Tito. Por último, y conscientes de que algunos eventos han quedado por mencionar, recomendamos vivamente el concierto programado par los días 20 y 21 de abril, en que la Orchestre de París será dirigida por Marin Alsop, sin duda una de las más solicitadas y contratadas por las principales salas de conciertos. El evento se abrirá con la pieza Tuxedo Vasco "de" Gama, concebida por la compositora británica Hannah Kendall, quien “se inspira en una obra de Jean-Michel Basquiat, Tuxedo, entrelazando palabras, símbolos y jeroglíficos, ofreciendo una meditación musical sobre el multiculturalismo”. Otra obra contemporánea, que relaciona diferentes ámbitos culturales, es la Sinfonía núm. 2 de Leonard Bernstein, “denominada ‘La era de la ansiedad’ en homenaje al poema homónimo de W.H. Auden”. Con la participación de un piano -en este caso, David Fray- “evoca en sus dos partes principales –la primera de las cuales está dominada por un sistema de variaciones– la conversación de varios personajes -tres hombres y una mujer- sobre la angustia existencial y el vértigo de la condición humana”. La segunda parte del concierto escenificará uno de los cataclismos más definitivos para el rumbo de la música occidental, como el perpetrado por Beethoven con su “Heroica”.

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Un mito de la interpretación, que a lo largo de su exitosa carrera ha interactuado con los principales directores y orquestas, se presenta en la sala grande del Carnegie Hall de Nueva York a solas, en un recital

monográficamente centrado en la obra de Franz Schubert. No es ni mucho menos el primero, pero los organizadores recuerdan que “un recital de Emmanuel Ax en el Carnegie Hall es siempre una ocasión para celebrar, cada una de las cuales revela nuevas dimensiones de -en palabras de Los Angeles Times- “su grandeza, su autoridad abrumadora como músico, técnico e intelecto inquieto” (…). Este reflexivo programa está respaldado por dos composiciones de Schubert: la primera Sonata para piano en La mayor, cuya interpretación de Ax ha sido calificada de “exquisita” y “hermosamente interpretada con sensibilidad” por New York Arts; y la Sonata para piano en si bemol mayor, que Ax interpreta con “un espíritu que pone de relieve la inventiva de Schubert” (The New York Times). El programa se completa con una serie de piezas que forma el ingenio de Franz Liszt. Se trata de transcripciones de canciones de Schubert, en que las dos voces son interpretadas por el instrumento de tecla, recreando diálogos de una elocuencia hermosísima, entre las cuales la delicada ‘Ständchen’ o el embrujador tema ‘Der Müller und der Bach’, extraído del ciclo de canciones Die Schöne Müllerin que recientemente pudo escucharse en el Palau de la Música con la voz de Chrispoph Prégardien.

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“Una exposición es una obra en sí misma y yo la veo como una performance”, ha manifestado Miriam Cahn. El título de su muestra no rehúye el carácter personal de su propuesta artística, el hecho de que crece como una necesidad interna, y se formula exteriormente de manera a interpelar al espectador. Desde el Palais de Tokyo, en este sentido, los organizadores señalan que “Miriam Cahn inventa nuevas encarnaciones plásticas de lo que nos incomoda, de lo que nos gustaría poder saltarnos y sin embargo nos da la cara, nos mira directamente a los ojos, en un tumulto del que no podemos escapar”. La presente es la primera gran retrospectiva dedicada a ella en una institución francesa. Reúne más de doscientas obras -una cifra nada despreciable- desde 1980 hasta la actualidad, y evidencia las diferentes facetas de su compromiso artístico: “Día tras día, dentro de un intenso trabajo pictórico que abarca también el dibujo, la fotografía, el cine, la escritura, Miriam Cahn detiene el flujo de imágenes volátiles de la actualidad política y se apodera de ellas para atestiguar, resistir, encarnar”. Sus imágenes se suceden orgánicamente y sugieren la conformación de un relato personalísimo, que el título de la muestra -Ma pensée sérielle- captura sin disimulo. Variaciones de un mismo tema, de la percepción propia y sus falacias, todo ello es englobado sin pretender aportar respuestas definitivas. Se trata de “una escritura que rechaza cualquier linealidad en favor de cúmulos explosivos y rupturas, autorizando una relectura de categorías de la historia del arte. Lo que viene del retrato, el paisaje, la pintura de la historia, lo íntimo, lo colectivo, se mezcla para componer una totalidad orgánica.

Aparecen nuevos acordes, disonancias cromáticas o espaciales que subrayan cuánto el desafío de la obra no es la búsqueda del equilibrio sino la encarnación plástica y espacial de la estridencia y el caos del mundo”. El visitante descubrirá con asombro obras colgadas de cualquier modo, “algunas sin enmarcar, desprotegidas, como cuerpos indefensos, en estado de fragilidad, inacabadas, esparcidas por el suelo. Como si el artista tuviera que escapar del espacio museístico demasiado marcado, compartir el estado errante de estos cuerpos desplazados, expulsados, que muchas veces abandonan el centro del lienzo, la centralidad del muro, para migrar hacia sus extremos. No hay obra maestra que magnificar, que resaltar para satisfacer la demanda del mercado”. Una paradoja a la que ya se abismó Banksy en diferentes ocasiones, de forma notablemente irónica con su falso documental Exit through the Gift shop.

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