Doble visita de la que, para muchos melómanos es -recuerdan desde el Palau de la Música Catalana- “la mejor orquesta del planeta”. La Filarmónica de Berlín actuará en fechas contiguas, los días 1 y 2 de mayo, en los dos templos modernistas más emblemáticos de la ciudad, la Basílica de la Sagrada Familia y el Palau de la Música Catalana. El primero de los eventos

forma parte de una colaboración con el Orfeó Català, un proyecto que habrá conocido previamente -a finales de abril- una sonada velada en la imponente sala de conciertos que habitualmente acoge a la Filarmónica de Berlín. La poderosa orquesta, que obviamente no necesita presentación, volverá a interpretar junto al Orfeó Català una popular obra coral de Wolfgang A. Mozart -la Misa de la coronación, Kv. 317- que los organizadores de la Philarmonie califican de “operística” por la ágil y sensible interacción de solistas y coro en la comunicación de un mensaje profundamente humano, que parece trascender credos. La vinculación del solo de soprano del ‘Agnus Dei’ con el aria de la condesa ‘Dove sono…’ de Le nozze di Figaro -en que se lamenta por la irremisible lejanía de los momentos de complicidad con su cónyuge- acaso sea prueba de ello. Volviendo, en cualquier caso, a los artífices del evento, no es esta la primera ocasión que las entidades musicales establecen una colaboración, pero sin duda es la presente una de las más llamativas. El primero de mayo, en la majestuosa arquitectura de Gaudí podrá escucharse asimismo el delicado motete Ave verum corpus, compuesto por el salzburgués el último año de su vida, pocos meses antes de su obra final, el mítico Réquiem. Una suerte de murmullo que cala hondo en el ánimo del oyente, incluso si originalmente celebra la naturaleza espiritual del hijo de dios y la remisión de los pecados que su sacrificio posibilita, de acuerdo con la eucaristía cristiana. La pieza, que Mozart regaló a un profesor de música del balneario en que se encontraba su mujer encinta, obligada a mantener reposo, es una de las joyas menos conocidas del catálogo mozartiano, minimalista en contraste con la expansiva misa, compuesta doce años antes, en 1779. Un talante parecido al del motete, al tratarse de una obra con protagonismo del coro, es la 'Plegaria por Ucrania' (Gebet für die Ukraine) de Valentin Silvestrov, compositor nacido en Kiev en 1937, que podrá escucharse por primera vez en la Basílica. Al día siguiente, ya en la sala de conciertos barcelonesa, el tono del concierto de la Filarmónica de Berlín continuará siendo en gran medida mozartiano. De hecho, se incluirá en el programa dos piezas de su época de juventud, de factura brillante, que no dejan de sorprender por su precocidad. Así pues, el concierto del día 2 de mayo se iniciará con la expresiva Sinfonía núm. 25, en Sol menor, KV 183, que diversos especialistas han considerado impropia de un joven de 17 años. El carácter dramático del su primer movimiento, en la tonalidad de la popular Sinfonía núm. 40, KV 550, justificó su elección en la escena de apertura de la conocida biopic pergeñada por Milos Forman, Amadeus. A esa obra orquestal le seguirá una pieza anterior incluso en fecha de composición, el luminoso motete para soprano Exsultate jubilate, Kv. 165, concebido por Mozart en 1773. Intervendrá la cantante Louise Alder -presente ya en el concierto de Berlín, y en el programado en Madrid al día siguiente- bajo la dirección, asimismo, de Kirill Petrenko, actualmente titular de la Filarmónica de Berlín. En la segunda parte, el conjunto orquestal volverá a retomar el protagonismo para ofrecer una interpretación de la Cuarta sinfonía de Robert Schumann, cuya versión definitiva, de 1851, explora todos los recovecos de la sensibilidad romántica, llevándola al paroxismo de la expresividad. Se trata del punto álgido de un ciclo, Palau 100, que en la presente temporada ya nos deparó -recientemente, de hecho, hace unas semanas apenas- una inolvidable versión de la Misa en si menor de Johann S. Bach, oficiada por John Eliot Gardiner y su Coro Monteverdi.

Carol López, cuya obra Bonus Track pudo disfrutarse la temporada pasada en el Teatre Lliure de Gracia, pone en escena en la presente su versión del clásico de Choderlos de Laclos en la sede de Montjuic.

A partir del 11 de mayo y hasta el 15 de octubre podrá visitarse en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona una exposición dedicada a la controvertida figura del Marqués de Sade, una muestra que -en palabras de los organizadores- “explora las implicaciones estéticas, filosóficas y políticas del legado del escritor libertino Donatien Alphonse François Sade (1740-1814) en la cultura contemporánea”.

Sin perder de vista la incidencia de su producción literaria en el siglo XX (en las creaciones, por ejemplo, de Guillaume Apollinaire, Georges Bataille, Salvador Dalí, Toyen y Man Ray, Pier Paolo Pasolini, Marcelo Brodsky, Robert Mapplethorpe, Pierre Molinier y Susan Meiselas), se indaga en la ascendencia de su propuesta en la actualidad, con instalaciones de artistas como Paul Chan (Sade for Sade’s Sake, 2009), Shu Lea Cheang (Sade X, 2019), Teresa Margolles (PM 2010, 2012), Joan Morey (Gritos & Susurros, 2009) y Kara Walker (8 Possible Beginnings, or: The Creation of African-America, 2005), entre otros. Comisariada por Alyce Mahon y Antonio Monegal, esta exposición apela a la función crítica -si se quiere, negativa- de la propuesta sadiana, en la línea de lo apuntado por Adorno y Horkheimer en la Dialéctica de la Ilustración, con evidentes reminiscencias nietzscheanas. Similarmente, desde el CCCB señalan que “el dilema es si leer Sade como un filósofo a quien hay que interpretar seriamente o como un novelista que se limita a construir fantasías extremas. Para superar esta contraposición, podemos considerar que Sade nos propone un desafío: por la vía de la ficción, nos invita a imaginar los límites y los peligros de la soberanía del deseo. Sirviéndonos de guía o mediador, nos lleva a preguntarnos si sus escritos representan una filosofía de la libertad, emancipadora y subversiva, o una filosofía del mal, que muestra la dimensión excesiva y violenta de la experiencia humana”.

Últimos días para descubrir la obra de Hermen Anglada Camarasa (Barcelona, 1871 – Port de Pollença, 1959), en una exposición cuyo título –“El archivo premeditado- da a entender la construcción de un personaje, por parte del artista en

cuestión. Según explican desde el Museu Nacional d'Art de Catalunya; Anglada Camarasa "gestionó y controló con gran empeño su carrera". En el fondo, el diseño y control de la propia imagen nos remonta a los inicios de la modernidad, hasta el caso de un creador tan lejano y mítico como Petrarca - legando a la posteridad una serie de textos en se forjaba su imagen, como más tarde y de forma más tendenciosa, haría por ejemplo Jean-Jacques Rousseau. Pensando, con todo, en el artista catalán, que nació el siglo posterior al Iluminismo, la cantidad de documentos donados por la familia, inventariados en el Centro de Investigación y Conocimiento del museo, coincide con la efeméride del 150 aniversario de su nacimiento. Por todo ello, la exposición Anglada Camarasa. El archivo premeditado supone "una ocasión inédita para conocer todas las facetas de su personalidad a través de la documentación que él mismo generó. La muestra relaciona la documentación del fondo con una selección de obras de Anglada Camarasa, y lo hace con una museografía en la que se recrea el espacio propio de un archivo". Además, los visitantes podrán familiarizarse con el proceso creativo de Anglada Camarasa y la relevancia que tuvo su obra, siendo considerado como "el artista catalán con mayor proyección internacional entre Marià Fortuny y Joan Miró".