El carisma y magnetismo de Alice Sara Ott es perceptible desde el momento en que pisa el escenario -generalmente descalza, un curioso y característico rasgo de su puesta en escena, que quizá hable de su búsqueda de una interpretación natural y espontánea, una fusión con el elemento musical y el ambiente que se crea.

De ahí que haya manifiestado, a propósito de su modus operandi, “toco tal com lo siento en cada momento”. En su recital en el Palau de la Música, en el marco del ciclo organizado en torno a la Franz Schubert Philarmonia, la pianista ofrecerá un programa de alto poder contemplativo, un viaje por las sonoridades más fascinantes de su instrumento que se inicia con la creatividad aparentemente ilimitada de los 24 preludios de Chopin, completados por piezas tan evocadoras como el Für Alina de Arvo Pärt, o creaciones de músicos contemporáneos, con quienes ha colaborado de cerca. Pensamos en Chilly Gonzales o, muy especialmente, Francesco Tristano, con quien trabajó en un disco titulado Scandale y que hace pocas semanas también intervino con una propuesta original en el Palau de la Música. Como en el caso del músico luxemburgués, Alice Sara Ott acompañará la presentación de su proyecto Echoes of life -décimo disco grabado para Deutsche Grammophon, la exclusiva discográfica de las tulipas doradas- con una serie de imágenes visuales creadas por Hakan Demirel, arquitecto y videoartista que posibilitará en el oyente y espectador un “viaje virtual” y que -explican los organizadores- “nos harán transitar por paisajes más allá de la música”, lo cual en sí mismo supondrá “una experiencia de concierto totalmente original”.

El clásico de Federico García Lorca aún puede disfrutarse durante la primera quincena de diciembre en el Teatre Lliure de Montjuic, con la dirección de Juan Carlos Martel Bayod. Una obra, referida como “poema trágico”, que narra la presión

social experimentada por la mujer que no consigue ser madre, y sus repercusiones psicológicas, en un contexto en que se espera de ella que cumpla con una serie de requisitos y obligaciones. Un retrato desgarrador y crudo, que ilustra la vertiente castradora de la represión. María Hervás, que caracteriza a la protagonista, asume ese peso con una intensidad cautivadora. La puesta en escena, a cargo de Frederic Amat, abre la dimensión simbólica de un drama con muchas aristas, que interpela al espectador de entonces, pero también al actual. Por un lado se aprecia el intento de renovación estilística, pero al mismo tiempo refulge con un poder insólito el núcleo duro de la reivindicación lorquiana.

Últimos días para descubrir una exposición ambiciosa y apasionante, inaugurada a finales de julio en el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, dedicada al que pasa por ser el órgano distintivo de la especie humana, y para cuya comprensión se han desplegado una pluralidad de

aproximaciones. La complejidad del órgano considerado diferencial, con relación al resto de animales, parece inagotable, incluso si nunca antes la investigación científica había alcanzado el nivel de conocimiento actual: “el cerebro humano es el objeto más complejo que conocemos y el que más incógnitas genera tanto a nivel científico como filosófico. «Cerebro(s)» explora cómo el arte, la ciencia y la filosofía han representado este órgano fascinante a lo largo de la historia”. Esta sencilla explicación revela, sin embargo, el carácter ignoto de su funcionamiento profundo, lo cual da pie a una serie de preguntas que la neurociencia progresivamente ha ido respondiendo: “¿Por qué hay cerebros? ¿De dónde sale la conciencia? ¿Y la creatividad? ¿Qué pasa cuando la mente enferma? ¿Se pueden crear máquinas inteligentes? ¿Qué podemos aprender de la inteligencia colectiva de las hormigas?”. La exposición -que no calificaremos mediante el redundante y tan a menudo adjetivo “inmersiva”- no sólo refleja aspectos fisiológicos del órgano que en el caso de la especia humana justificaría lo de sapiens sapiens -habilitando “la conciencia, el pensamiento abstracto, el lenguaje, la imaginación, los sueños y la memoria”- sino que se vuelca en otras manifestaciones neurológicas, en “otras mentes más allá de la humana: las inteligencias artificiales, animales y colectivas, así como las de organismos sin cerebro”. Como es característico en el caso de las exposiciones del CCCB, la interdisciplinariedad, los diferentes lenguajes o herramientas discursivas permite reflejar aquella apasionantemente inagotable complejidad. Se trata de “un recorrido que combina material histórico, científico y artístico, y que plantea preguntas abiertas al visitante”. Comisariada por Ricard Solé y por Emily Sargent, la exposición presenta alrededor de trescientas piezas, entre las cuales hay diecisiete instalaciones de arte contemporáneo, obras audiovisuales, piezas de colecciones históricas y resultados de proyectos de investigación científica, con nombres como los de Tomás Saraceno, Patrick Tresset, Ivana Franke, Daniel Alexander, Andrew Carnie, Christian Fogarolli o Greg Dunn, entre otros. Asimismo, pueden contemplarse los dibujos originales de neuronas por Santiago Ramon y Cajal, ediciones de época de Vesalius y René Descartes. A modo de complemento audiovisual, la plataforma Filmin ha seleccionado una serie de películas vinculadas a las diferentes ramificaciones de la temática, entre las cuales títulos como Her, Rainman, Drive my car, Mejor imposible o Carretera perdida.

La propuesta expositiva del Museo Europeo de Arte Moderno, declaradamente figurativa, acoge la muestra conjunta que reúne las obras de Kike Meana y Jaime Valero. Se trata, en palabras de los organizadores, de “una exposición con un mismo lenguaje, pero con dos acentos diferentes que ampliarán la visión del espectador sobre las diferentes corrientes del arte figurativo de nuestros días”.

Un lenguaje que busca la representación aparentemente literal -casi fotográfica, podría pensarse- de personas y elementos naturales. Sin embargo, pocos gestos son más artificiosos, incluso si consustanciales a la naturaleza humana, que la reproducción pictórica de la realidad, realizada precisamente a través de su representación. Kike Meana presenta varias series - Autómatas, Paisaje Urbano, Retrato, Paisaje convencional, Figura, Metamorfosis, entre otras- que ilustran de forma elocuente el seguimiento de una tradición pictórica que da importancia, de inicio, al dibujo, con “acercamientos a trocitos de esas mismas grandes urbes, nos muestran su vida cotidiana y sus rincones más íntimos con la misma fuerza y belleza”. También Jaime Valero exhibe diversos proyectos, con títulos algo más descriptivos -El agua entra en escena, La intimidad y el agua, El agua en el retrato, Hacia la Ruptura- en que el elemento líquido adquiere un protagonismo llamativo. Los organizadores de la muestra aluden a su particular modus operandi formal -vinculado a aquel tema- en los términos siguientes: “la extensa paleta de color y un abanico inagotable de recursos pictóricos, sumados al muy acertado tema del agua como agente catalizador del color, nos propone un lenguaje superlativo”.