Agenda cultural món gener 2019

AGENDA CULTURAL
per JACOBO ZABALO

Una selecció mensual de concerts,
arts escèniques i exposicions

MÚSICA I 
ARTS ESCÈNIQUES

MÚSICA I ARTS ESCÈNIQUES

 01 / 01 / 19 

DON GIOVANNI

París, 10 de gener

Possiblement sigui el Don Giovanni de Wolfgang A. Mozart l'òpera més important del segle XVIII. Amb tota seguretat, en qualsevol cas, se la pot considerar com la més influent sobre el XIX, molt especialment per l'element sobrenatural que encarna l'home de pedra, enfrontat a un Don Juan que no recau en la mera demonització. El seductor desperta la repulsió més fèrria i una fascinació estranya, per les incontinents ànsies de vida que el precipitaran al revers tenebrós. La temàtica ha permès que les escenificacinons, al llarg de dècades, fossin de tots els tipus: des actualitzacions, versions futuristes, en què s'aprecia la compulsió eròtica, a lectures clàssiques, en què sobreabunda l'element galant en contrast amb la seva frenètica transgressió. Però una obra d'aquesta envergadura musical, tan textualment rica (meravellós llibret, el de Da Ponte), es presta a ser gaudida així mateix en versió concert. Giovanni Antonini, especialista en música antiga, conegut per les seves vibrants lectures de Vivaldi, s'ocuparà de la direcció de la Kammerochester Basel, al costat del Deutscher Kammerchor. Una festa per als sentits.

Mariss Jansons and Evgeny Kissin

Berlín, 17-19 de gener

La maduresa interpretativa de l'ex nen prodigi del piano, Evgeny Kissin, podrà gaudir-se a la sala gran de la Filharmònica de Berlín, un dels millors concerts que durant el primer mes d'any programa aquest auditori històric

i per al qual, estranyament, encara es poden trobar entrades disponibles. Cada vegada costa més accedir a aquests esdeveniments (motiu pel qual, per exemple, mai es recomanen concerts de la arquitectònicament espectacular Ebphilarmonie de Hannover) si no és per abonament, o amb moltíssima antelació. La peça en què Kissin podrà evidenciar les seves millors dots com a intèrpret -claredat en el fraseig, so rodó i una resolució tècnica difícilment comparable- és el Concert per a piano núm. 1 de Franz Liszt, una obra fogosa, plena de passatges virtuosos que exigeixen de l'intèrpret l’absoluta concentració en el control dels volums. Els ressons fàustics són evidents des de l'inici de la mateixa, amb una mena de fanfàrria amenaçant i la furiosa intervenció del solista que copa el protagonisme, fins tornen els metalls molt més discrets, i el discurs es repeteix en murmuri, assolint les regions més subtils de la sensibilitat pianística. De 0 a 100 en intensitat, i de tornada al silenci, per abordar l'espectre sonor en la seva totalitat; el del pathos de la sensibilitat romàntica, sempre oberta al sentiment i a la seva experiència en directe. La fama visionària del compositor hongarès -sensible també al sentit de l'espectacle, i a l'apreciació pel públic dels prodigis tècnics à la Paganini- impregna així mateix al tractament orquestral, que és d'una sumptuositat i puixança admirables. La Filharmònica de Berlín, que es preveu compromesa en aquests humors, ratificarà la seva posició en el top de les orquestres amb la interpretació, en la mateixa vetllada, d'una peça tan substanciosa i memorable com Així parlà Zarathustra, de Richard Strauss, poema simfònic inspirat per la sèrie de discursos paròdics que va recompondre Friedrich Nietzsche basant-se en diverses tradicions espirituals. El director de l'esdeveniment musical, un dels mestres més carismàtics de l'actualitat: Mariss Jansons.

Kazushi Ono

Tòquio, 10 de gener

El director titular de l'Orquestra de Barcelona i Nacional de Catalunya, Kazushi Ono, actua en la seva ciutat d'origen al capdavant de la Tòquio Metropolitan Symphony Orchestra.

El mestre Ono, que reconeix haver treballat a Europa els últims 25 anys, està familiaritzat així mateix amb el conjunt japonès -no en va és el seu director titular- amb qui interpretarà dues peces d'enorme complexitat: la Simfonia núm. 6 d’Anton Bruckner, un dels seus característics monuments simfònics, i el Concert per a violí d'Arnold Schönberg, partitura visionària i intricada, que Patricia Kopatchinskaja, una de les solistes més buscades en l'actualitat, encararà amb plenes garanties.

Olafur Arnalds

San Francisco, 31 de gener

El preciós Warfield Theatre sembla un lloc idoni per acollir la proposta minimalista del compositor i pianista islandès Olafur Arnalds.

Si el mes passat recomanàvem un lloc de culte a la ciutat de Los Angeles, en el present apuntem la direcció d'un indret no menys mític, en que el pas del temps es respira juntament amb la bellesa pròpiament arquitectònica. Un escenari que explica històries viscudes per altres i amb les quals resulta difícil no empatitzar. La música d'Arnalds ha sonat en formes arquitectòniques de tota índole, edificis laics o religiosos, locals petits o grans salons, espais tancats o oberts, amb un punt en comú, i és que conviden a una experiència gairebé cinematogràfica de la pròpia vivència. La simplicitat de les seves composicions -que en l'últim disc,Remember, s'acompanya de més instrument i es beneficia de l’ús eventualment de l'electrònica, amb un gust exquisit- té l'habilitat per percudir en la fibra sensible, deixar records impresos en l'ànima o desempolsar alguns que es creien oblidats.

Das Rheingold

Madrid, del 17 de gener a l'1 de febrer

No deixa de sorprendre la tremenda capacitat de treball de Pablo Heras-Casado, molt sol·licitat internacionalment (per les principals sales de concert i al capdavant de conjunts amb història centenària)

i que ara el porta de nou a Madrid, concretament a l'Teatro Real , per afrontar ni més ni menys que el primer episodi de la tetralogia wagneriana. L'or del Rin, que comptarà amb un elenc de cantants de primer nivell -entre els quals Greer Grimsley, Sarah Connolly i Samuel Youn- i la posada en escena de Robert Carsen (la producció és de l’Oper Köln), narra l'inici de un periple en cerca del poder. La present versió, lluny de reflectir míticament aquelles ànsies fundacionals, ofereix una espècie de diagnòstic d'època. Difícilment l'espectador d'avui dia no se sentirà interpel·lat, en mostrar una visió del món en què les relacions naturals han estat trastocades decisivament per l'home. S'explica, en aquest sentit, que "el compositor ja va saber intuir la incompatibilitat entre les lleis de la natura i les dels éssers humans, i va anticipar les conseqüències que això comportaria". No només això, els organitzadors assenyalen que aquesta producció “ens situa davant un món en estat de setge, irreversiblement contaminat, devastat per l'avarícia de poder de l'home que, tractant de controlar el seu entorn, ha acabat abocat a la seva pròpia destrucció". La gloriosa música de Wagner, d'alt poder evocador, permet apuntar i sublimar un escenari preocupant, que en efecte sembla demanar la conscienciació i -per què no- la intervenció reparadora de l'home. Una reflexió al voltant del significat de la veritable riquesa, que no és només moralitzant. Pertoca en un sentit molt pragmàtic a l'autoconservació de l'individu i del futur de l'espècie.

MES SEGÜENT >

< MES ANTERIOR  MES SEGÜENT >

EXPOSICIONS

EXPOSICIONS

 01 / 01 / 19 

Caravage à Rome, amis & ennemis

París, fins al 28 de gener

Caravaggio va ser una personalitat controvertida a la seva època, amb partidaris i detractors, com s'apunta en el títol de la present exposició (Caravage à Rome, amis & ennemis). Del que no hi ha dubte, retrospectivament parlant, és del lloc que ocupa per a la història de l'art. Difícilment pot trobar-se un pintor amb el seu virtuosisme tècnic i la seva capacitat per captar el moment decisiu -el més dramàtic i significatiu- de l'escena representada, que fixa mitjançant trets perfectes, amb una aparentment absoluta fidelitat a l'original.

Aquesta mena d'hiperrealisme avant la lettre contrasta amb la irrealitat de molts dels temes escollits, temes impregnats -segons els textos sagrats, per exemple- d'una explicació sobrenatural. L'element increïble del succés és representat com esdevenint efectivament, la qual cosa sobreabunda en el gust Barroc pel somni i l'experiència d'una forma superior de realitat, elevant-se la versemblança i el grau de participació en l'escena. Són "només" 10 les pintures reunides al Musée Jacquemart-André de París, de les quals 7 -s’explica al web informatiu- mai abans havien trepitjat territori francès. Tenint en compte el reduït nombre de “caravaggios” que es coneixen, no és desgavellat plantejar-se una excursió per contemplar-los (doncs, en realitat, és difícil de veure en un mateix lloc aquesta xifra). A més dels motius religiosos que va representar durant la seva estada a Roma -entre els quals, un Ecce homo, l'episodi corresponent a El sopar d'Emaús o el seu apreciat Sant Jeroni, l'exposició incideix en aquella rivalitat que el va enemistar amb altres pintors. Poden no ser motius intrínsecament artístics, però dramatitzen i atorguen una narrativa a la vida i obra d'un creador certament irrepetible i inabastable, fent-ho una mica més proper, gairebé humà.

Bruce Nauman

Nova York, fins al 25 de febrer

El Museu d'Art Modern de Nova York (MoMA) ofereix una exposició especialment representativa de la recerca de mitjans expressius per part de Bruce Nauman,

un artista allunyat de qualsevol forma d'autocomplaença estètica, i compromès amb la comprensió d'allò que escapa a la comprensió. Expliquen els responsables de l'exposició que "Nauman ha passat mig segle inventant formes per transmetre tant els riscos morals com l'emoció d'estar viu. En emprar una tremenda gamma de materials i mètodes de treball, revela com les experiències mutables de temps, espai, moviment i llenguatge proporcionen una base inestable per comprendre el nostre lloc al món. Per Nauman, tant fer art com mirar-lo implica "fer coses que un no vol fer en particular, posar-se en situacions desconegudes, experimentar resistències per descobrir per què un es resisteix. En un moment en que la noció de veritat es troba cada vegada més atacada, el seu treball obliga els espectadors a renunciar a la seguretat del que se sent com familiar, “mantenint-nos alerta, sempre vigilants i desconfiant ser seduïts per respostes fàcils". Es desprèn d'aquesta fenomenal aproximació a l'esperit vacil·lant de la seva obra la taxativa renúncia a la categorització del seu treball, que inclou des de "aquarel·les delicades, rètols lluminosos de neó, instal·lacions de so, passadissos de vídeo". Tot això recorda la ingovernable varietat de la seva recerca, així com el perpetu canvi en que es troba aquell que busca.

Color and Light: The Neo-Impressionist Henri-Edmond Cross

Potsdam, fins al 17 de febrer

Cada moviment artístic ve rubricat pels grans noms, representants d'un estil amb característiques que es suposen comunes, el coneixement mutu i la presència d'inquietuds

estètiques relativament intercanviables, en sintonia amb el seu temps de vida. Això facilita la identificació i celebració dels principals creadors, però al mateix temps deixa al marge molts altres noms, que a excepció del cercle d'experts no solen ser ubicats. Si pensem en l'anomenada escola impressionista, i la seva forma de pintar a l'aire lliure la fluctuació dels fenòmens naturals, , a força de pinzellades aparentment inconnexes, ens sortiran una desena de noms, entre els quals probablement no figuri el d'Henri-Edmond Cross. Certament, hi haurà qui el consideri post-impressionista, pel seu avançat puntillisme (però inclús aquest -isme no el contempla d’entrada, de fet va entronitzar a altres dos: Seurat i Signac). El museu Barberini de Potsdam, a pocs quilòmetres de Berlín, li dedica una meravellosa exposició, en què es poden reconèixer aquells trets i temàtica. Més enllà dels tòpics, encara es pot gaudir amb la plasmació de motius i escenes mitjançant una agoserada confluència cromàtica, aquesta re-composició a partir de tonalitats dissemblants que la retina escomet per identificar la realitat natural, intel·lectualment unificada en l'acte de comprensió (un procediment fenomenològic que des de la filosofia ja Kant havia tantejat el segle anterior). En qualsevol cas, la bretxa que separa i reuneix abstracció i figurativisme s'albira, apassionant, no només en l'obra dels post-impressionistes més populars -Van Gogh, Gauguin o Cézanne- sinó també en Henri-Edmond Cross.

Banksy

Madrid, fins al 10 de març

Una de les paradoxes a les quals s'enfronta l'art contemporani -i que Banksy ha escenificat jocosament- és la de la veneració d'una obra que es reivindica transgressora,

anti-acadèmica i, en molts casos, qüestionadora de l'statu quo i de la consciència benpensant dels propis consumidors d'art. Banksy ha celebrat aquesta paradoxa al marc gris de les urbs, el seu àmbit natural, així com a les glamouroses sales de subhasta, en què una obra seva -recentment comprada- es va autodestruir. Però també, per descomptat, amb la meravellosa pel·lícula Exit Through the Gift Shop, en que un imitador es fa tan autèntic als ulls dels veneradors d'art com el mateix Banksy; aquell que basa part de la seva artifici en el rebuig a la mostració de la identitat, en altres paraules, a deixar-se posseir com a artista. Genius or Vandal?, el títol de l'exposició a ell dedicada, abunda en aquesta boutade: l'espai públic és envaït amb un art tan subversiu que ni tan sols es pot alegrar de les seves gestes anti-sistema -sense caure en el parany de l’èxit artístic- ni per suposat ser qualificat amb el romàntic epítet de "geni". La disjuntiva és, per tant, falsament excloent... com tot a Banksy. No es tracta d’una disjuntiva garibaldiana -tipus “Roma o morte”- sinó que la presa de posicions s’impregna d’una ambigüitat constitutiva. La dificultat resideix en apreciar el seu art sense ser còmplice de la bona consciència que deriva de la participació en la denúncia, una consciència que eximiria finalment de tota responsabilitat. Vandalisme genial o geni vandàlic, la qüestió fonamental -allò fascinant de Banksy- és que opera com a mirall que es reflecteix a si mateix, alternant la consciència de la pròpia mirada amb la d'una realitat altra, que mai no és del tot aliena. Banksy es revela, més ençà de tota ambigüitat, com un humanista. I si alliçona, ho fa amb una forma d'amor “despietat” -per fer servir una expressió de Slavoj Zizek- posant en el mateix pla la humana capacitat per crear i la seva no menys potencial estupidesa.

Modern Couples. Art, Intimacy and the Avant-garde

Londres, fins al 27 de gener

La visió de l'artista com a geni absolutament autònom -que semblaria emergir per generació espontània, aliè a les influències del seu entorn- s'ha demostrat falsa en la gran majoria de casos.

En aquest sentit, resulta cada vegada més freqüent descobrir en les mostres de creativitat l'empremta dels seus éssers més propers, i molt concretament de les respectives parelles. Una completíssima exposició al Barbican londinenc il•lustra la retroalimentació artística que es va donar en molts dels creadors fonamentals per al desenvolupament de l'art del segle XX, tant en els casos en què els dos membres de la parella eren artistes reconeguts com en els que no. Algunes dels presents a l'exposició són Dora Maar i Pablo Picasso, Salvador Dalí i Federico García Lorca; Camille Claudel i Auguste Rodin; Frida Kahlo i Diego Rivera; Emilie Flöge & Gustav Klimt, Ànima Mahler i Gustav Mahler, Lee Miller i Roland Penrose, Geòrgia O'Keeffe i Alfred Stieglitz. El web que anuncia l'esdeveniment aporta, a més, detalls a propòsit d'algunes d'aquestes parelles, tan artísticament fecundes en terme de retroalimentació. S'atura per exemple en el cas de Rodin / Claudel, que van fer mútuament de models i en definitiva van resultar de gran inspiració per a les seves pròpies obres.

MES SEGÜENT >

< MES ANTERIOR  MES SEGÜENT >

Sigues el primer en rebre les novetats de l'agenda cultural: